CINEMA PARADISO (Guiseppe Tornatore)

Alfredo: Viviendo aquí el día a día, tu piensas que este es el centro del mundo. Tu crees que nada cambiará. Entonces te vas: un año, dos años. Cuando vuelves, todo ha cambiado. Tu mundo se ha roto. Lo que vienes a buscar no está aquí. Lo que alguna vez fuiste se ha ido. Necesitas irte muy lejos, por un largo tiempo… antes de que puedas volver y encontrar tu familia. La tierra donde naciste. Pero no ahora. No es posible, porque estás tan ciego como yo lo estoy.

Salvatore: ¿Quién dijo eso? ¿Gary Cooper? ¿James Stewart? ¿Henry Fonda? ¿Quién?

Alfredo: No, Toto. Nadie más lo ha dicho. En este momento, he sido yo. La vida no es como en las películas. La vida… es mucho más dura.

Revisar este emotivo diálogo de la cinta italiana “Cinema Paradiso” es transportarse, sintiendo un escalofrío en el espinazo, no sólo a una magnífica película, sino al corazón desnudo de lo que significa la entretención en cualquiera de sus

formas: un escape momentáneo de la realidad. Es por eso que las palabras sabias del viejo Alfredo llegan a marcar la finalmente triste existencia de un hombre que ama el cine. Es él quien ha enseñado a Toto (apodo de Salvatore), a manejar la proyectora del cine del pueblo, de cuyo nombre se toma el título del filme.

Esto por supuesto, no hará desistir de esta adicción a un cinéfilo como el que suscribe, quien sabe que basta con una escena llena de besos prohibidos para olvidar los daños colaterales que el séptimo arte provoca en el ser humano.

En esta cinta, estamos presenciando la historia de dos seres, marcados por el auge y caída de un cine de barrio que termina derrumbando sus propias vidas, no sin antes haberlas elevado de la mano de Chaplin, y olvidadas estrellas italianas del cine como Luchino Visconti y Silvana Mangano.

Por esas cosas del destino, la cinta de Tornatore tuvo escaso éxito en su país de origen, pero los gringos hicieron lo propio, lanzándola a la fama mundial, con Oscar a la mejor película extranjera, y Globo de Oro incluidos.

El maestro de maestros, don Ennio Morricone, nos aporta su más lacrimóngena banda sonora, inolvidable, donde es imposible no querer hacer bromas mientras se exhibe el filme, con el único fin de evitar las lágrimas. Sus flautas traversas y violines sutiles tiene como clímax la escena de la lluvia en la proyección al aire libre, y el magnánimo final con los besos ya mencionados, donde el director hace una aparición como el proyeccionista de la vieja cinta.

Pero por sobre todo (incluso la secuencia anteriormente mencionada), es destacable el 100% de las escenas dentro del cine (por sobre la historia de amor de Salvatore), con anécdotas inolvidables cada vez que se proyectaba una película, presentando personajes entrañables (el tipo que escupe desde la platea, el sacerdote emocionado con las cintas, la pareja que se conoce dentro, aquel que cuenta los finales, el “loco de la plaza”, uno que siempre se queda dormido, etc), siendo el cine mismo (como siempre) el alma de todas las proyecciones.

La fotografía de Blasco Giurato le da el perfecto toque de melancolía que “Cinema Paradiso” necesita, con noches iluminadas, atardeceres con luz tenue, días soleados y solitarios que hacen recordar viejos spaghetti westerns, y las proyecciones del cine iluminando fuertemente los rostros de los asistentes. Obtuvo una nominación a los Premios BAFTA, más conocidos como los “oscars británicos”

De las actuaciones, quien se roba la película, es Alfredo, el proyeccionista, interpretado por el gran Phillippe Noiret (quien, recordemos, interpretó a Neruda en “El Cartero”), y de los tres Salvatores, el pequeño niño (Salvatore Cascio) brinda una picardía insólita, el joven (Marco Leonardi) la estupidez propia de un adolescente, y el laureado actor, productor y director Jacques Perrin hace lo propio como un maduro lleno de traumas de su infancia, dando los tres una profundidad pocas veces alcanzadas en un filme con varios actores interpretando al mismo personaje. Además de la bella y grácil Agnese Nano como Elena, el amor imposible.

…Dan ganas de volver siempre al Cinema Paradiso. Dan ganas, de volver a vivir.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Nuovo Cinema Paradiso"
Director: Guiseppe Tornatore
Guión: Vanna Paoli y Guiseppe Tornatore
Actores: Phillippe Noiret, Salvatore Cascio, Marco Leonardi, Agnese Nano
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Blasco Giurato



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BOTÓN DE MUESTRA

ATENCIÓN, SPOILER: ESTA ESCENA ES PARTE IMPORTANTE DEL ARGUMENTO DE LA CINTA. SI NO LA HAS VISTO, NO TE ARRIESGUES!!

Pixar y "Ratatouille": De hombres y ratoncitos

Si alguna vez la gente de Disney tuvo una buena idea, fue contratar los servicios de Pixar Animation Studios. Y si alguna vez Pixar tuvo una buena idea, fue contratar a Brad Bird.

Me sorprendió mucho, antes del estreno de Los Increíbles, el hecho que los genios creadores de Toy Story hayan tenido la osadía de bajar el moño y contratar a quien se hiciera célebre por una sola cinta animada: El Gigante de Hierro. Con este film, Bird se convirtió en una verdadera celebridad, al nivel de no sólo ser llamado por el estudio mencionado, sino además tener la libertad de hacer lo que le diera su regalada gana. Una especie de Orson Welles de los dibujos animados.



Y defraudó poco y nada: no sólo fue la “Pixar-movie” que más premios Oscar ha ganado (en un hecho inédito para la productora), en las categorías Mejor Película Animada y Mejor Edición de Sonido, sino que además le dio un toque algo más adulto, con temas como la vocación, la burocracia, el matrimonio y hasta la infidelidad, siendo valorada enormemente.
Por eso no extrañaba que inmediatamente después de “Cars” (que no tuvo el éxito de sus predecesoras) se optara nuevamente por Brad Bird, asignándole de co-guionista a Jan Pinkava, ganador del Oscar con su corto “El Juego de Geri” (también de Pixar), y se le diera al creador de la singular familia Parr el poder absoluto para el siguiente proyecto, estrenado el pasado jueves: Ratatouille.



¿De qué se trata Ratatouille?

El giro en las historias pixerianas no pudo ser más original: el ratón Remy (en la voz del actor de “The Kings of Queens” Patton Oswalt), vive en París, Francia, y a pesar de los reproches de su familia, el se niega a comer cualquier cosa. Más aún: su anhelo secreto es convertirse en chef de alta cocina, y para eso se asesora con el fantasma de un famoso cocinero. Es precisamente en el restaurante del extinto maestro, donde Remy se interioriza y comienza a “adiestrar” (tal como se lee) a un empleado de aseo poco inteligente, a quien dirige en la cocina, dándole la fama que él quisiera. Claro, siendo seguido de cerca por el actual jefe de cocina, el malvado Skinner, quien sospecha de su ahora ayudante.

Si aún no te entusiasma ir a verla, en la página http://disneylatino.com/FilmesDisney/Ratatouille/index-flash.html, es posible descargar un adelanto de diez minutos de la película, donde el mismísimo Brad Bird presenta el clip.

“Ratatouille” (pronúnciese “ra-ta-tui”), que toma el nombre de una sabrosa receta de comida gala, será EL evento animado de la temporada, que incluso puede poner en peligro a la algo desgastada “Piratas del Caribe” o incluso al invencible “Shrek Tercero”, que a pesar de lograr obtener 123 millones de dólares en su primer fin de semana, ha obtenido críticas regulares, sin mencionar que es, por el momento, el candidato seguro al Oscar.



Bon apetit, cinéfilos todos, y disfrutemos de este suculento bocado que nos trae Pixar.

Ficha Técnica:

Fecha Estreno Chile: 28 de Junio
Título Original: “Ratatouille”
Directores: Brad Bird
Guión: Brad Bird y Jan Pinkava
Voces (en inglés): Patton Oswalt (Remy), Ian Holm (Skinner), Lou Romano (Linguini), Peter O’Toole (Anton Ego)
Música: Michael Giacchino



TRAILER

TODO LO QUE USTED SIEMPRE QUISO SABER SOBRE LOS PREMIOS OSCAR, PERO NUNCA LE CONTARON.

Los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (A.M.P.A.S., su sigla en inglés) son la culminación de una seguidilla de galardones entregados en todo el mundo, que se reinician poco tiempo después, con el Festival de Cannes.

Me atrevería a decir que la mayoría de los cinéfilos, amantes del cine arte o de las cintas independientes, debemos reconocer que lo primero que vimos en nuestra vida, las películas que nos hicieron hacer “clic”, que nos enamoraron de este modo de arte (graficado por ejemplo, en la cinta “Cinema Paradiso”), fueron hollywoodenses, facturadas en Estados Unidos. El mismo Lars von Trier, director de “Los Idiotas” y creador de Dogma 95’, realizó “Dancer in the Dark” como un tributo a las cintas musicales de su infancia.

En los datos que siguen, viene el homenaje de “Tu Me Completas” a los Premios Oscar, que se vienen el próximo domingo 25 de febrero. Son datos curiosos, algunos de ellos conocidos, recopilados para ustedes con mucho cariño.

RECHAZO O INDIFERENCIA DEL PREMIO

- En 1972, Marlon Brando no asistió a la ceremonia, donde estaba nominado por su papel de Vito Corleone en “El Padrino”. Resultó ser, además el ganador del premio, y en su lugar subió una mujer, vestida de india, llamada Sacheen Littlefeather, quien en nombre de Brando rechazó la estatuilla, alegando discriminación para los indígenas nativos en Hollywood. Luego se supo que la chica era una actriz mexicana llamada María Cruz

- En 1970, George C. Scott (quien hace un magnífico secundario en “Dr. Insólito” de Kubrick), rechazó también el Oscar por “Patton”, alegando que él era un actor principalmente de teatro, y que no era de su agrado competir con colegas. El productor de la cinta, Frank McCarthy, recibió el premio, pero fue devuelto al día siguiente a la Academia.

- Woody Allen obtuvo el reconocimiento en 1977 como mejor director y mejor guión por “Annie Hall", pero no se presentó a la premiación, argumentando que los días lunes “toco el clarinete con mi grupo”.

Oscars Ad Honorem

- Los Oscares Honoríficos se han entregado por motivos diversos: James Baskette ganó uno en 1947, “por su cándida interpretación como el tío Remus" en“Canción del sur", Harold Russel, veterano de guerra amputado de un brazo, tuvo un reconocimiento “por aportar esperanza y coraje a sus colegas veteranos" con su intervención en “Los mejores años de nuestras vidas". Años después se le volvió a conceder una estatuilla ¡por el mismo motivo!. En la primera ceremonia, de 1929, se entregó un premio especial a Charles Chaplin por la realización de “El Circo”, ya que su estatus no era conveniente para ponerlo a competir con otros. También “El Cantante de Jazz” recibió en aquel año un Oscar, por ser la primera película hablada.

- Directores de renombre que jamás lograron un premio, tuvieron que consolarse con el Oscar a la trayectoria: Blake Edwards, Orson Welles, Howard Hawks, Charles Chaplin, Sidney Portier y Robert Altman.

- Mención aparte merece Alfred Hitchcock, quien al recibir el honorífico redujo su discurso a un “gracias” antes de bajarse del escenario.

- Peter O’Toole pidió a la Academia no darle el premio en 2002, ya que aún tenía las fuerzas para seguir trabajando en el cine y podía ganar. Finalmente aceptó y asistió a la ceremonia. Este año está nuevamente nominado por “Venus”.

- Laurence Olivier recibió el Oscar a la trayectoria en 1978, el mismo año en que fue nominado como Mejor Actor por “Los Niños del Brasil”

- El actor Paul Newman, recibió este galardón en 1985. Al año siguiente protagonizó “El Color del Dinero”, de Martin Scorsese, y ganó el Oscar al Mejor Actor. En 2002 fue nominado nuevamente como actor secundario por “Camino a la Perdición” de Sam Mendes.

- En 1941, Henry Fonda fue nominado en la categoría Mejor Actor, por la cinta “Las Uvas de la Ira”. En 1980 le fue otorgado el premio honorífico, y al año siguiente fue nominado por “En El Estanque Dorado”, cuarenta años después del primer film mencionado

HITOS Y RÉCORDS

Justicia a las Comedias

- Una de las categorías menos premiadas en los casi ochenta años de trayectoria de la Academia, es la comedia, aunque prácticamente todos los años hay un film de este género nominado. Las afortunadas (y, por lo demás, excepcionales) galardonadas son: en 1934 “Sucedió una Noche”, (la historia de una millonaria caprichosa que huye de su padre y el prometido impuesto por él, mientras un periodista encubierto la sigue como si fuera casualidad, y ambos, por supuesto se enamoran), en 1938 “Vive Como Quieras” (con la vida de la singular familia Vanderhoff, encabezada por un padre que se ha dedicado en los últimos años a vivir la vida, y una familia tan extravagante como él, que ve interrumpida su cotidianeidad cuando el malvado Señor Kirby quiere comprar la casa a toda costa para instalar una fábrica), en 1960 “Piso de Soltero” (donde Jack Lemmon interpreta a un empleaducho de oficina, C.C. Baxter, quien escala posiciones en su empresa prestando la llave de su piso a sus jefes para que asistan con sus amantes, hasta que descubre que su amor no correspondido es una de las ocupantes del lugar), en 1977 “Annie Hall”, (divertida historia de Alvy Singer, un cómico que narra en primera persona como conoció, vivió y terminó su relación con una chica, con situaciones divertidísimas, como la conversación sobre arte que tienen ambos mientras en subtítulos se ve lo que realmente piensan, o cuando Alvy detiene diferentes personas en la calle, entre ellos un caballo, para preguntarles sobre las parejas), y en 1998 “Shakespeare Apasionado” (con la difícil crisis creativa que enfrenta el entonces joven escritor inglés, que no puede terminar la comedia encargada para salvar un teatro de cerrar. Entonces entra en acción una aristócrata, que sólo anhela actuar, y se disfraza de hombre para entrar en los círculos teatrales. El único que la descubre es William, iniciando un romance que lo inspira a escribir “Romeo y Julieta”). Las dos primeras fueron dirigidas por Frank Capra, y las siguientes por Billy Wilder, Woody Allen y John Madden, respectivamente. Salvo este último, todos los directores son considerados verdaderos maestros del género.

Adiós a la Censura

- En 1969, se marcó un hito bastante importante en el cine: aunque no fue la “principal” causante del entierro definitivo de la censura, la cinta “Cowboy de Medianoche”, de John Schlesinger, tuvo un importante papel en esto, al ser la primera calificada con una “C” (condammed, condenada) que ganó el Oscar a la Mejor Película, muy a pesar de los continuos reclamos de todo tipo de organizaciones eclesiásticas y asociaciones contra la inmoralidad. La cinta, que se asemeja en su arriesgada propuesta a argumentos como “Brokeback Mountain”, de Ang Lee, narra como le va a Joe Buck, un apuesto joven cowboy que está convencido de hacer dinero fácil en Nueva York como amante de mujeres adineradas. Una vez allí le resulta más que complicado, ya que termina viviendo en la miseria, acompañado de un vagabundo medio estafador llamado Ratso Rizzo, con quien termina creando lazos.

Los Quina Mejor Lograda

- En 1941 Se dio la que muchos consideran la mejor quina de nominados en la categoría Mejor Actor: Charles Chaplin, por “El Gran Dictador”, Henry Fonda por “Las Uvas de la Ira”, Laurence Olivier por “Rebeca” y James Stewart por “Historias de Filadelfia”, quien fue finalmente el ganador. El quinto nominado fue Raymond Massey, destacado actor canadiense, nominado por su papel de un joven Abraham Lincoln en “Lincoln en Illinois”. Massey posteriormente intervino en “Camino de Santa Fe” de Michael Curtiz, “Arsénico por Compasión” de Frank Capra, “Al Este del Paraíso”, de Elia Kazan y “El Oro de Mackenna”, de J. Lee Thompson

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Cantando Bajo Los Premios

- Existieron grandes cantantes que obtuvieron reconocimientos en los Oscares por sus dotes como actores. Muchas veces los profesionales critican cuando incluyen a no-actores en diferentes filmes, pero el gancho comercial puede más. Y posteriormente estos premios también. Los cantantes–intérpretes fueron Bing Crosby (por su rol de párroco joven que llega a un pueblo en “Siguiendo mi Camino”), quien por cierto, fue nuevamente nominado al año siguiente por interpretar el mismo papel en la secuela; Frank Sinatra (como un soldado bohemio y bonachón que vive el ataque de Pearl Harbour en “De Aquí a la Eternidad”); Barbra Streisand (interpretando a la poco agraciada chica que termina triunfando en el musical en “Funny Girl”) empató en votos con la mismísima Katharine Hepburn y ambas se llevaron el premio.

Y finalmente, Cher (como una apocada y seria contadora italiana que de pronto se ve dividida entre dos amores que además son hermanos en “Hechizo de Luna”). La popular y rubia cantante Doris Day, fue muchas veces criticada por sus dotes actorales, pero dejó a todos con la boca abierta por su interpretación de una afligida madre en “El Hombre que Sabía Demasiado”, y fue, para sorpresa de muchos, nominada en 1959 por su papel en la azucarada comedia “Confidencias a Medianoche”.

Bueno, al finalizar, he escarbado en las frases cinematográficas. En ellas he encontrado sorpresas, clásicos y hasta emoción. Frases sobre el cine, muchas, pero este artículo busca entretener con datos sobre Hollywood y sus glamorosos premios, es por eso, que la frase que cerrará este artículo, ha sido pronunciada por uno de los más ilustres defensores de esta industria: Billy Wilder.

“Si el cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces, señoras y señores, el cine ha alcanzado su objetivo”

COMENTEN!!!!!

A Quien Ama Gilbert Grape? (Lasse Hallström)

Comentario:

Los hermanos Lumière, inventores del cine hace ciento doce años, nunca le vieron futuro a éste. Después de algunas proyecciones, vendieron su máquina por nada, despreciándola. Aún así, el aporte que hicieron está por sobre la invención: fueron los primeros grandes cineastas, porque sentaron bases de lo que sería el cine más excepcional: el que está más cercano a la realidad.

En su primer film se ven personas jugando cartas, obreros saliendo de la fábrica, y un tren acercándose a la estación, lo que hizo huir despavoridos a los noveles espectadores. Sin efectos especiales, visuales, sin sonido alguno, crearon una tensión capaz de aterrorizar a su audiencia. En la actualidad, los únicos que han hecho salir huyendo a los espectadores son las malas películas.

Hago este preámbulo, para contar que de vez en cuando el cine nos trae de vuelta a los Lumière, con alguna película que no tiene más que retratar la realidad de la mejor manera para emocionar. Y en este caso está el sueco Larse Hallström, a quien vemos en una de sus primeras cintas, y probablemente una de las más logradas de su carrera.

La vida en el pueblo de Endora es, digamos demasiado apacible. Los panoramas son: comer helados en el centro, conversar en un restaurant, caminar, y……. eso sería todo. Aquí conocemos a Gilbert Grape, el hijo mayor de una familia desarticulada, donde el padre suicida se recuerda a cada momento, la depresiva madre pesa más de doscientos kilos y no puede caminar, el “verdadero” hermano mayor ya no vive con ellos, la primera de las hermanas es la dueña de casa, la menor es una adolescente relativamente normal, y Artie, el otro hombre del hogar, tiene un retardo mental que lo puede hacer morir en cualquier momento…. Desde hace casi dieciocho años.

Y luego de esto no hay mucho que decir, más que contemplar con una sonrisa eterna cómo la vida cotidiana de los Grape se nos mete en el alma, con peleas que parten el corazón, con los diálogos que Gilbert tiene cada día con sus amigos (uno anhelante de un trabajo en Burger King, el otro dueño de una funeraria, que espera con ansias un muerto), y la llegada de una turista con su remolque averiado, que encanta el corazón de Artie y Gilbert con una franqueza inusitada para los pueblerinos, además de la mujer frustrada que mantiene un descarado affaire con el protagonista.

Johnny Deep está aquí en los inicios de su papel eterno, el muchacho aparentemente idiota, despistado, pero que en realidad es más “oscuro” de lo que parece, Juliette Lewis, está más bella y talentosa que nunca, en la época en que era la estrella del momento por sus roles en “Cabo de Miedo” y “Asesinos por Naturaleza”, y un joven Leonardo Di Caprio se roba todo (la película, el corazón del espectador) en su rol del travieso Artie, un niño eterno, un “milagro viviente” como él dice, que fue nominado a un Oscar (cosa que no lograría más de quince años después, con “El Aviador”) y de quien todo el mundo pensó que realmente era un retardado mental.

Hallström luego se volvió un poco pretencioso. “Las Reglas de la Vida” y “Chocolate” son cintas aceptables, pero perdió la sencillez y belleza que demuestra con esta film, cuyo título original significa más o menos “¿A quién traga Gilberto Uva?”. La encontré escondida en medio de un montón de VHS’s, y con el calor de estos días, es bueno ampararse un momento a la sombra de los Lumiére, con este film más que recomendado.


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FICHA TÉCNICA

Título Original: "What's Eating Gilbert Grape"

Director: Lasse Halström

Guión: Peter Hedges, basada en su propia novela.

Actores: Johnny Deep, Leonardo Di Caprio, Juliette Lewis, Mary Steenburguer, Darlene Cates, Laura Harrington, John C. Reilly

Idioma y Duración: Inglés, 118 minutos

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FRASE MEMORABLE

"¿Sabes que me podría morir en cualquier momento?"

"Voy a tener una gran fiesta de cumpleaños. Tu no estás invitada, pero puedes venir si quieres"

Arnie (Leonardo Di Caprio), en su primer encuentro con Becky (Juliette Lewis)

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IDEAL PARA

Suicidas en potencia, enamorados/as, optimistas que desean reforzarse o pesimistas empedernidos

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BOTÓN DE MUESTRA

http://www.youtube.com/watch?v=FMLvAGBV4-g&watch_response

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ENCUÉNTRALA AQUI

La Mejor de mis Bodas (Frank Coraci)

ARGUMENTO

En plenos años 80' Robbie y Julia se conocen en las bodas en las que ambos trabajan: él como cantante, y ella como mesera. A pesar de que ambos tienen parejas (ella está por casarse y él fue abandonado en el altar, pero aún intenta la reconciliación), congenian, y entre boda y boda comienzan a enamorarse, a pesar de la personalidad de él, sus manías, sus miedos y su inmenso amor por la música.


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COMENTARIO

Me imagino que el director de esta película, Frank Coraci, es de esos tipos que no le dan mayor importancia al impacto de sus cintas, que es un hollywoodense más, y que tiene el ingenio suficiente para poder sacar adelante sus filmes con creatividad. Y lo más divertido es que en este caso la cosa funciona.

Aclaremos: tal como la anterior película de Drew Barrymore que comenté no hace mucho, esto no es una obra maestra. Pero tiene la singularidad de hacernos empatizar con el protagonista, un tipo que se cree un pobre tipo, pero que tampoco es el miserable que él piensa. La principal responsable de esta actitud es la música, que es su principal y quizá único amor.

Y como estamos en los 80's, los temas de su repertorio en cada casamiento son los que pegan en aquellos años. Siempre le doy importancia a los pequeños personajes, que matan o levantan la película, y aquí hay varios, como el tipo que se cree Boy George, la anciana que paga en albóndigas las clases de piano y la tonta pero exquisita ex de Robbie (notable la escena donde Robbie le dice "quítate mi polera de Van Halen antes de que tu mala suerte haga que la banda se separe"), y el auténtico (aunque sincero) chanta que es el prometido de Julia, con calzoncillos de leopardo y todo eso.

Otro mérito de "La Mejor de Mis Bodas" es la química entre los protagonistas, que se intentó repetir hace poco en una pésima película que prefieron no recordar.

Pero principalmente aquí se apela a la nostalgia, a recordar una época, y la verdad es que los resultados hacen que Coraci salga bastante airoso de su cometido. La canción final, un cover de "Radio Killed The Radio Star", es lejos uno de los mejores tracks elegidos para una cinta como ésta, y una muestra de su acertividad en la elección de la banda sonora.

Para que decir la escena del avión, con todos los pasajeros y los tripulantes dispuestos a unir la pareja, y con Billy Idol oyendo atentamente la historia de Robbie, indignado por la ex que usó la polera de su grupo (se puede agregar que el mismo año en que se basó la cinta, 1985, fue cuando Van Halen se separó).

Y aunque en las últimas semanas las votaciones nunca hayan estado acorde a mi favorita, recordé con cariño especial esta película.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "The Wedding Singer"

Director: Frank Coraci

Guión: Tim Herlihy

Actuaciones: Adam Sandler, Drew Barrymore, Christine Taylor, Mattew Glave, Angela Featherstone

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DIÁLOGO MEMORABLE

Robbie: Quiero hacerte sonreír cuando estés triste/Llevarte cuando tu artritis se ponga peor /todo lo que quiero es envejecer contigo (...) / Acostarte cuando estés borracha / Yo podría ser el hombre que envejezca contigo / Solo quiero envejecer contigo

(Ochentera cancion de Robbie arriba del avión)

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RECOMENDADO PARA

Aunque es una entretenida comedia romántica, funcionará 100% para nostálgicos de los ochenta

PERFILES: ROBERT ALTMAN

Hace años atrás, cuando en Canal 13 daban el mítico "Cine en su Casa" (al que TVN replicó con "Tardes de Cine"), mi hermano y yo nos instalamos frente a la pantalla para ver una cinta anunciada desde una semana antes: "Popeye". Éramos fanáticos acérrimos del personaje animado, y ésta gratuita posibilidad de primero saber que existía, y luego verla, no nos la podíamos perder.

Robin Williams y Shelley Long protagonizaron este trabajo del director que nos compete hoy, muerto hace un par de semanas, y a quien "Tu Me Completas" homenajea hoy.



Ese par de cabros chicos que se sentaron frente a la vieja tele que terminó sus días funcionando con alicate y empujones ("golpes técnicos" decía mi hermano) quedó mitad decepcionado mitad impactado: si bien habían cosas que se mantenían inalterables del forzudo come-espinacas (sobre todo el espíritu original de los personajes, con una Olivia más que perfecta y un Popeye correcto, además de los infaltables Bluto, Filón y Cocolizo), también chocaba cierta decadencia en las imágenes, un aire melancólico que no era fácil de digerir para alguien de diez años.

Tiempo después me daría cuenta que ni siquiera fue fácil para los adultos. Ni para los críticos. Y además, que al director le importaba un comino lo que el resto pensaba.

Robert Altman, que comenzó a dirigir a los 43 años (y yo que recién tengo 23 pensé que el tren cinéfilo ya me estaba dejando) no tenía pelos en la lengua ni en la cámara, y paró en seco al mismísimo y entonces todopoderoso Darryl Zanuck (dueño de la Fox) quien produjo su primera película, "MASH", cuando éste quizo "poner tijeras" al asunto.

Filmando "MASH" no se hizo problemas con los protagonistas, Elliot Gould y Donald Sutherland, quienes se aterrorizaron con la manera de trabajar de Altman: los tuvo en el barro todo un día, mientras le daba instrucciones, observaba y dejaba correr dos cámaras, a veces dando importancia a los extras más que a ellos mismos (Ante el éxito de "MASH", con 37 millones de dólares recaudados y sus nominaciones al Globo de Oro y al BAFTA, Gould se convertiría en uno de los mejores amigos del director)

Tampoco se inmutó cuando su película del año siguiente (1971), el western "McCabe & Mrs. Miller" se convirtió en un fracaso de taquilla. Warren Beaty, protagonista del filme con Julie Christie, habló pestes del director, quien jamás se lo perdonó. Años más tarde diría "Ese hijo de perra jamás habló bien de la cinta, de la que ha recibido sus mejores comentarios por actuación. Si algún día muero y él dice algo bueno de mí, lo perseguiré hasta el final"

Y de pronto hacía saltar a la crítica hasta las nubes con una obra magnánima (como "Nashville", oda al mundo del country, o "El Pez Gordo", sobre Hollywood), y en otras nos dejaba estupefactos con una historia mínima, de poco personajes y tramas impenetrables para el espectador medio (como "Theo y Vicente", o "Una Boda"). Siempre hizo lo que quiso. Siempre fue un independiente.

Uno de sus sellos: las cintas corales. En el trailer de "Nashville" se cuentan 24 protagonistas, en "Doctor T y las Mujeres" trece, en su último filme, "Prairie Home Companion", contó con quince actores principales, y en "Prèt-a-Porter" se pueden hallar......................... ¡Cuarenta figuras!

Su último éxito fulminante, "Crimen de Medianoche" es sencillamente una maravilla, y la causante directa de inspirar este artículo: la mirada a la clase aristócrata y a los criados en Inglaterra en los años treinta, matizados con un asesinato, y personajes como una estrella de cine, un sirviente que seduce a la señora de la casa, un matrimonio por conveniencia, una vieja dama que depende del dinero de su pariente, un inspector de policía inepto y su inteligente ayudante, una joven doncella que "las cacha todas", un par de ancianas a cargo de los empleados que esconden un secreto, una gorda cocinera que se junta en los pasillos oscuros con un joven aristócrata, en una cinta donde 45 actores, todos protagonistas, se mueven en una inmensa casa, siendo ellos mismos los extras, como un ballet perfecto.

Robert, donde estés, tu desenfado, tu independencia creativa y tus genialidades serán perpetuadas por quienes nos maravillamos con tu cine. Un recuerdo desde aqui del niño que vio embelesado a Robin Williams comiendo espinaca, a Ryan Phillipe con sus engaños adolescentes, a Lindsay Lohan con sombrero cowboy, y a Richard Gere siendo llevado por un tornado. Gracias, señor Altman.

Buscando a Nemo (Andrew Stanton y Lee Unrick)

ARGUMENTO

Marlín es un pez payaso, que luego de una accidente pierde a su esposa, y debe criar solo a su hijo Nemo. El primer día de escuela, y luego de un altercado, el pequeño es capturado por un humano, y llevado a una pecera en Sydney. Marlín comienza un viaje por el mar en busca de su hijo, ayudado por la olvidadiza Dory, mientras que los peces del acuario intentan escapar.

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COMENTARIO

Stanton, el director principal, es también el autor de los libretos de las anteriores maravillas de Pixar: "Toy Story" 1 y 2, "Bichos" y "Monsters Inc" (mi favorita de todas), además de, por supuesto, intervenir aqui.

Salvo una que otra escena mamona, no hay nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada que decir de esta película. Vamos a ver:

Técnicamente es asombrosa. Muchos nos damos cuenta que el océano tiene miles de capas y colores, que las texturas son especiales, que el mar tiene un magnetismo inigualable y aqui se puede apreciar eso y mucho más, logro de los magníficos computadores y trabajadores de Pixar. El hecho de elegir La Gran Barrera de Coral australiana como "centro de operaciones" fue la primera genialidad de todas, idea que Disney imitó años antes, cuando "Nemo" estaba filmándose, al literalmente salvar de la muerte a la cinta "Lilo & Stich", cambiando la historia del extraterrestre de Kansas a Hawaii, y dándole una frescura que la liberó del fracaso.

El screenplay, tal como se ha mencionado, llena la pantalla con personajes adorables, tal como el viejo Walt lo hacía en el siglo XX. Merlín es un pez payaso totalmente opuesto a su raza, producto de la pérdida de su esposa y la responsabilidad que siente sobre su hijo. Nemo es un chiquillo con deseos de libertad, que sufre un severo trauma al ser capturado y llevado a la pecera, madurando de golpe apenas el dentista lo mete a la bolsa plástica. El trío de tiburones, Bruce, Chump, y Anchor buscan rehabilitarse del..... ¡canibalismo!, y tienen uno de los mejores parlamentos de la película:

Marlín: un humano se llevó a mi hijo
Anchor: ¡Humanos! se creen dueños de todo!
Chum: de seguro eran banqueros

Las tortugas son el ejemplo de familia que Marlín jamás pudo dar, y los peces del acuario están todos derechamente alterados psicológicamente por el encierro. Darla es la niña odiosa que todos alguna vez hemos conocido, Nigel, el pelícano, lleva cada día la dosis justa de chismes, y la reina indiscutida, y que ha subido al Olimpo Animado con Cruella de Vil, el conejo Tambor, el cangrejo Sebastián, el Genio de la Lámpara y Mufassa es Dory. Al más puro estilo "Memento", ella padece de "falta de memoria de corto plazo", dando lugar a ocurrencias inolvidables. De hecho, junto con "Una Eva y Dos Adanes", "Buscando a Nemo" es la única cinta que me sé de memoria. Y no es chiste.

A esto, se suma la música sencillamente perfecta de Thomas Newman (cuya melodía más conocida es el tema principal de "Six Feet Under", y es autor además de las bandas sonoras de "Sueños de Fuga", "Belleza Americana", "Camino a la Perdición" y "Erin Brockovich") . Este compositor fue considerado desde un principio para la cinta, y su trabajo comenzó a ser utilizado cuando aún se estaba trabajando en el filme..........

......Nadaremos, nadaremos, en el mar, el mar, el mar......

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Finding Nemo"
Directores: Andrew Stanton y Lee Unrick
Guión: Andrew Stanton, Bob Peterson y David Reynolds
Voces (en versión original): Albert Brooks, Ellen DeGeneres, Alexander Gould, Willem Dafoe, Geoffrey Rush

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DIÁLOGO MEMORABLE:

Nemo: ¿Estás bien?
Dory: No sé quien soy... y no sé para donde voy.... Pienso que he perdido a alguien, pero, no puedo recordarlo... no puedo recordarlo.
Nemo: Está bien, tranquila. Yo también estoy buscando a alguien. Oye, podemos buscar juntos.
Dory: Soy Dory
Nemo: Soy Nemo
Dory: ¡¡¡¿¿NEMOOO??!!!..... que lindo nombre.

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RECOMENDADO: para padres con hijos incomprendidos, cinéfilos que aborrecen la animación, y tooodo el mundo