En plenos años 80' Robbie y Julia se conocen en las bodas en las que ambos trabajan: él como cantante, y ella como mesera. A pesar de que ambos tienen parejas (ella está por casarse y él fue abandonado en el altar, pero aún intenta la reconciliación), congenian, y entre boda y boda comienzan a enamorarse, a pesar de la personalidad de él, sus manías, sus miedos y su inmenso amor por la música.
Me imagino que el director de esta película, Frank Coraci, es de esos tipos que no le dan mayor importancia al impacto de sus cintas, que es un hollywoodense más, y que tiene el ingenio suficiente para poder sacar adelante sus filmes con creatividad. Y lo más divertido es que en este caso la cosa funciona.
Aclaremos: tal como la anterior película de Drew Barrymore que comenté no hace mucho, esto no es una obra maestra. Pero tiene la singularidad de hacernos empatizar con el protagonista, un tipo que se cree un pobre tipo, pero que tampoco es el miserable que él piensa. La principal responsable de esta actitud es la música, que es su principal y quizá único amor.
Y como estamos en los 80's, los temas de su repertorio en cada casamiento son los que pegan en aquellos años. Siempre le doy importancia a los pequeños personajes, que matan o levantan la película, y aquí hay varios, como el tipo que se cree Boy George, la anciana que paga en albóndigas las clases de piano y la tonta pero exquisita ex de Robbie (notable la escena donde Robbie le dice "quítate mi polera de Van Halen antes de que tu mala suerte haga que la banda se separe"), y el auténtico (aunque sincero) chanta que es el prometido de Julia, con calzoncillos de leopardo y todo eso.
Otro mérito de "La Mejor de Mis Bodas" es la química entre los protagonistas, que se intentó repetir hace poco en una pésima película que prefieron no recordar.
Pero principalmente aquí se apela a la nostalgia, a recordar una época, y la verdad es que los resultados hacen que Coraci salga bastante airoso de su cometido. La canción final, un cover de "Radio Killed The Radio Star", es lejos uno de los mejores tracks elegidos para una cinta como ésta, y una muestra de su acertividad en la elección de la banda sonora.
Para que decir la escena del avión, con todos los pasajeros y los tripulantes dispuestos a unir la pareja, y con Billy Idol oyendo atentamente la historia de Robbie, indignado por la ex que usó la polera de su grupo (se puede agregar que el mismo año en que se basó la cinta, 1985, fue cuando Van Halen se separó).
Y aunque en las últimas semanas las votaciones nunca hayan estado acorde a mi favorita, recordé con cariño especial esta película.
Robbie: Quiero hacerte sonreír cuando estés triste/Llevarte cuando tu artritis se ponga peor /todo lo que quiero es envejecer contigo (...) / Acostarte cuando estés borracha / Yo podría ser el hombre que envejezca contigo / Solo quiero envejecer contigo
Hace años atrás, cuando en Canal 13 daban el mítico "Cine en su Casa" (al que TVN replicó con "Tardes de Cine"), mi hermano y yo nos instalamos frente a la pantalla para ver una cinta anunciada desde una semana antes: "Popeye". Éramos fanáticos acérrimos del personaje animado, y ésta gratuita posibilidad de primero saber que existía, y luego verla, no nos la podíamos perder.
Robin Williams y Shelley Long protagonizaron este trabajo del director que nos compete hoy, muerto hace un par de semanas, y a quien "Tu Me Completas" homenajea hoy.
Ese par de cabros chicos que se sentaron frente a la vieja tele que terminó sus días funcionando con alicate y empujones ("golpes técnicos" decía mi hermano) quedó mitad decepcionado mitad impactado: si bien habían cosas que se mantenían inalterables del forzudo come-espinacas (sobre todo el espíritu original de los personajes, con una Olivia más que perfecta y un Popeye correcto, además de los infaltables Bluto, Filón y Cocolizo), también chocaba cierta decadencia en las imágenes, un aire melancólico que no era fácil de digerir para alguien de diez años.
Tiempo después me daría cuenta que ni siquiera fue fácil para los adultos. Ni para los críticos. Y además, que al director le importaba un comino lo que el resto pensaba.
Robert Altman, que comenzó a dirigir a los 43 años (y yo que recién tengo 23 pensé que el tren cinéfilo ya me estaba dejando) no tenía pelos en la lengua ni en la cámara, y paró en seco al mismísimo y entonces todopoderoso Darryl Zanuck (dueño de la Fox) quien produjo su primera película, "MASH", cuando éste quizo "poner tijeras" al asunto.
Filmando "MASH" no se hizo problemas con los protagonistas, Elliot Gould y Donald Sutherland, quienes se aterrorizaron con la manera de trabajar de Altman: los tuvo en el barro todo un día, mientras le daba instrucciones, observaba y dejaba correr dos cámaras, a veces dando importancia a los extras más que a ellos mismos (Ante el éxito de "MASH", con 37 millones de dólares recaudados y sus nominaciones al Globo de Oro y al BAFTA, Gould se convertiría en uno de los mejores amigos del director)
Tampoco se inmutó cuando su película del año siguiente (1971), el western "McCabe & Mrs. Miller" se convirtió en un fracaso de taquilla. Warren Beaty, protagonista del filme con Julie Christie, habló pestes del director, quien jamás se lo perdonó. Años más tarde diría "Ese hijo de perra jamás habló bien de la cinta, de la que ha recibido sus mejores comentarios por actuación. Si algún día muero y él dice algo bueno de mí, lo perseguiré hasta el final"
Y de pronto hacía saltar a la crítica hasta las nubes con una obra magnánima (como "Nashville", oda al mundo del country, o "El Pez Gordo", sobre Hollywood), y en otras nos dejaba estupefactos con una historia mínima, de poco personajes y tramas impenetrables para el espectador medio (como "Theo y Vicente", o "Una Boda"). Siempre hizo lo que quiso. Siempre fue un independiente.
Uno de sus sellos: las cintas corales. En el trailer de "Nashville" se cuentan 24 protagonistas, en "Doctor T y las Mujeres" trece, en su último filme, "Prairie Home Companion", contó con quince actores principales, y en "Prèt-a-Porter" se pueden hallar......................... ¡Cuarenta figuras!
Su último éxito fulminante, "Crimen de Medianoche" es sencillamente una maravilla, y la causante directa de inspirar este artículo: la mirada a la clase aristócrata y a los criados en Inglaterra en los años treinta, matizados con un asesinato, y personajes como una estrella de cine, un sirviente que seduce a la señora de la casa, un matrimonio por conveniencia, una vieja dama que depende del dinero de su pariente, un inspector de policía inepto y su inteligente ayudante, una joven doncella que "las cacha todas", un par de ancianas a cargo de los empleados que esconden un secreto, una gorda cocinera que se junta en los pasillos oscuros con un joven aristócrata, en una cinta donde 45 actores, todos protagonistas, se mueven en una inmensa casa, siendo ellos mismos los extras, como un ballet perfecto.
Robert, donde estés, tu desenfado, tu independencia creativa y tus genialidades serán perpetuadas por quienes nos maravillamos con tu cine. Un recuerdo desde aqui del niño que vio embelesado a Robin Williams comiendo espinaca, a Ryan Phillipe con sus engaños adolescentes, a Lindsay Lohan con sombrero cowboy, y a Richard Gere siendo llevado por un tornado. Gracias, señor Altman.
Marlín es un pez payaso, que luego de una accidente pierde a su esposa, y debe criar solo a su hijo Nemo. El primer día de escuela, y luego de un altercado, el pequeño es capturado por un humano, y llevado a una pecera en Sydney. Marlín comienza un viaje por el mar en busca de su hijo, ayudado por la olvidadiza Dory, mientras que los peces del acuario intentan escapar. -------------------------------------------------------------------------
COMENTARIO
Stanton, el director principal, es también el autor de los libretos de las anteriores maravillas de Pixar: "Toy Story" 1 y 2, "Bichos" y "Monsters Inc" (mi favorita de todas), además de, por supuesto, intervenir aqui.
Salvo una que otra escena mamona, no hay nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada que decir de esta película. Vamos a ver:
Técnicamente es asombrosa. Muchos nos damos cuenta que el océano tiene miles de capas y colores, que las texturas son especiales, que el mar tiene un magnetismo inigualable y aqui se puede apreciar eso y mucho más, logro de los magníficos computadores y trabajadores de Pixar. El hecho de elegir La Gran Barrera de Coral australiana como "centro de operaciones" fue la primera genialidad de todas, idea que Disney imitó años antes, cuando "Nemo" estaba filmándose, al literalmente salvar de la muerte a la cinta "Lilo & Stich", cambiando la historia del extraterrestre de Kansas a Hawaii, y dándole una frescura que la liberó del fracaso.
El screenplay, tal como se ha mencionado, llena la pantalla con personajes adorables, tal como el viejo Walt lo hacía en el siglo XX. Merlín es un pez payaso totalmente opuesto a su raza, producto de la pérdida de su esposa y la responsabilidad que siente sobre su hijo. Nemo es un chiquillo con deseos de libertad, que sufre un severo trauma al ser capturado y llevado a la pecera, madurando de golpe apenas el dentista lo mete a la bolsa plástica. El trío de tiburones, Bruce, Chump, y Anchor buscan rehabilitarse del..... ¡canibalismo!, y tienen uno de los mejores parlamentos de la película:
Marlín: un humano se llevó a mi hijo Anchor: ¡Humanos! se creen dueños de todo! Chum: de seguro eran banqueros
Las tortugas son el ejemplo de familia que Marlín jamás pudo dar, y los peces del acuario están todos derechamente alterados psicológicamente por el encierro. Darla es la niña odiosa que todos alguna vez hemos conocido, Nigel, el pelícano, lleva cada día la dosis justa de chismes, y la reina indiscutida, y que ha subido al Olimpo Animado con Cruella de Vil, el conejo Tambor, el cangrejo Sebastián, el Genio de la Lámpara y Mufassa es Dory. Al más puro estilo "Memento", ella padece de "falta de memoria de corto plazo", dando lugar a ocurrencias inolvidables. De hecho, junto con "Una Eva y Dos Adanes", "Buscando a Nemo" es la única cinta que me sé de memoria. Y no es chiste.
A esto, se suma la música sencillamente perfecta de Thomas Newman (cuya melodía más conocida es el tema principal de "Six Feet Under", y es autor además de las bandas sonoras de "Sueños de Fuga", "Belleza Americana", "Camino a la Perdición" y "Erin Brockovich") . Este compositor fue considerado desde un principio para la cinta, y su trabajo comenzó a ser utilizado cuando aún se estaba trabajando en el filme..........
......Nadaremos, nadaremos, en el mar, el mar, el mar......
Título Original: "Finding Nemo" Directores: Andrew Stanton y Lee Unrick Guión: Andrew Stanton, Bob Peterson y David Reynolds Voces (en versión original): Albert Brooks, Ellen DeGeneres, Alexander Gould, Willem Dafoe, Geoffrey Rush
Nemo: ¿Estás bien? Dory: No sé quien soy... y no sé para donde voy.... Pienso que he perdido a alguien, pero, no puedo recordarlo... no puedo recordarlo. Nemo: Está bien, tranquila. Yo también estoy buscando a alguien. Oye, podemos buscar juntos. Dory: Soy Dory Nemo: Soy Nemo Dory: ¡¡¡¿¿NEMOOO??!!!..... que lindo nombre.
Los que vimos "El Abogado del Diablo" en la época en que se estrenó (más o menos unos diez años atrás, cuando yo era un imberbe que comenzaba recién a gustar del cine), no podemos olvidar una escena impresionante: el personaje de Keanu Reeves está en un templo católico con su esposa, que se ha encontrado con él, muy nerviosa y vestida con un impermeable largo. Ella está tan alterada, que dice algunas cosas incoherentes, y de pronto, se levanta y se quita lo que lleva. Está completamente desnuda, con llagas en el cuerpo, y mira con los ojos desorbitados hacia todos lados.
El impacto de ver a Charlize Theron (31 años, sudafricana) no sólo está en el tema de su desnudez (que actualmente ya no impacta demasiado), sino en que definitivamente ella no es cualquier mujer. Billy Wilder, cuando filmaba "La Comezón del Séptimo Año" con Marilyn Monroe, comentaba que la censura en cierta manera "lo salvó" de haber expuesto más de la cuenta a la famosa rubia ("la sola imagen de Marilyn con los trajes que usabas bastaban para impactar", decía), y eso es exactamente lo que ocurre con Charlize en ésta, su primera película importante tras su debut en películas menores. Porque en toda la cinta, existe una cierta tensión sexual del personaje, que tiene su peak en esta escena tan comentada.
La vida de esta chica ha sido también bastante impactante: el sólo hecho de haber sido testigo de cómo su madre disparaba a su maltratador padre (quien siempre amenzaba a ambas de muerte) ha llenado miles de sitios web y páginas de periódicos. Ella habla de todo, menos de su vida privada.
Luego de comenzar a trabajar como modelo, a los 14 años, y de mudarse con su madre a Nueva York, fue a los Ángeles, donde protagonizó un famoso comercial de Martini (que también fue exhibido en Chile), que sin embargo no le sirvió de mucho para su carrera. Años más tarde fue descubierta por un agente (que la vió discutiendo con una cajera de banco por un cheque enviado por mamá) y su primer papel fueron tres segundo en "Los Niños del Maíz 3". Luego vendrían algunos protagónicos en cintas menores y la fama con "El Abogado....". Woody Allen la llamó para un papel en "Celebrity", llegó a Disney con "Mighty Joe Young" (que se repite bastante seguido en tv), y estuvo en su primera cinta nominada al Oscar a la mejor película: "Las Reglas de la Vida", de Lasse Hallström, donde actúa como una chica que se practica un aborto.
De allí, como un cohete hacia filmes cada vez más conocidos y que la insertaron en la elit hollywoodense, primero por su belleza y luego por su incipiente talento: "La Leyenda de Bagger Vance" (dirigida por Robert Redford, donde actuó junto a Will Simith) "Dulce Noviembre" (nuevamente actuando con Kenau Reeves), "15 Minutos (con Robert de Niro), "La Maldición del Escorpión de Jade" (de Woody), "Acosada" (donde conoció a su actual pareja Stuart Towsend), y "La Estafa Maestra".
Buscando papeles que la sacaran de su imagen sexy, produjo y protagónizó la historia de Aileen Wournos, una prostituta lesbiana que a comienzos de los 90' mató a siete clientes, y fue ejecutada en 2002. Para ello, se afeó totalmente (algo muy complicado para ella), y subió diez kilos.
El resto es historia........ El reconocimiento unánime a nivel mundial, con una veintena de nominaciones y premios (algunos tan prestigiosos como el del Festival de Berlín, y otros populares como el MTV Movie Award), y la subida al estrado del Teatro Kodak, para recibir el Oscar a la actuación principal, donde lloró al ver a su madre sentada en las butacas, por tantos años de esfuerzo recompensados...
Luego se dijo bastante que el Oscar era la única estrella que tendría en su vida y que quedaría en la lista de las actrices que jamás volvieron a ser las mismas tras el premio. Pero su talento dijo otra cosa: fue nominada el 2005 al Globo de Oro, al Emmy y al Sindicato de Actores por su participación en la cinta para la TV "La Vida y Muerte de Peter Sellers", y nuevamente estuvo entre las cinco nominadas al Oscar por su rol de trabajadora en los yacimientos de hierro de Minessota en "Tierra Fría".
Esta es Charlize. Por dentro y por fuera, una mujer excepcional......
Jossie es la joven y más talentosa periodista editora del Chicago Sun-Times, luego de mucho tiempo de búsqueda. Su jefe la envía a infiltrarse en una escuela secundaria para un reportaje, pero para ella esto es doblemente difícil, ya que esta etapa supuso los peores momentos de su vida: no tenía amigos, no era nada popular, la apodaban "Jossie feosi" y jamás tuvo una pareja. Esto repercutió para siempre en ella, por lo que deberá hacer frente al reportaje y a sus propios miedos de volver a lo mismo. Para rematarla se enamora de un profesor, y tendrá que recibir la ayuda de su hermano, ex-"chico más popular" para poder tener la atención que necesita para investigar.
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COMENTARIO
Drew Barrymore me fascina. Ese rostro, mitad mala-tierna, y el hecho de que no sea delgada hasta el extremo me derrite cada vez que la veo. Tiene un árbol genealógico lleno de talentos (sus tíos-abuelos Lionel y Ethel, y su abuelo John se cuentan entre los actores más legendarios de la primera mitad de los 50), y también lleno de excesos (los ya nombrados tenían fama de alcohólicos, y su padre, John Jr, vió frustrada su carrera por culpa de las drogas), donde ella, tras el éxito temprano de "E.T.", también se vio envuelta.
Pero la historia es tan repetida, que no debe pasar más allá de un párrafo. Bueno, un párrafo y una línea. Quizá algo más. Porque Drew cambió, dejó su obesidad casi mórbida, y comenzó un tratamiento para rehabilitarse de todo lo que debía rehabilitarse. Y comenzó a obtener mejores papeles, intendo lograr el mismo reconocimiento que de niña (siempre se olvida que luego de juguetear con el "marciano favorito" en 1982, actuó en varias películas con excelentes comentarios), con apariciones en "Batman Forever"y protagónicos en "Cuatro Mujeres y Un Destino". Luego vinieron "Todos Dicen Te Quiero" (comedia musical de Woody, donde Drew era la única que no cantaba), "Scream" y "El Cantante de Bodas", donde la química que tuvo con Adam Sandler fue de antología.
Y aquí la tenemos, de productora, en una película hecha para su lucimiento personal.
Hay algo que no puedo negar de Raja Gosnell, el director de "Jamás Besada": sus películas (salvo esta fifty honrosa excepción), son pésimas, horrorosas, pero también exitazos de taquilla. Ahí tenemos a "Mi Pobre Angelito 3", "Mi Abuela es un Peligro", el parcito de obras maestras de "Scooby Doo", y la reciente "Los Tuyos, Los Míos y los nuestros".
Con Gosnell estamos ante un Hollywood puro, dólar al por mayor, al diantre el arte y... vamos contando billetes muchachos.
Pero con Drew en la producción, esta cinta al menos logró un "algo más" a las comedias adolescentes. De partida, personajes adorables, y no sólo la protagonista, también sus "compañeros" y su genial hermano, que se roba la película con el papel del muchacho que alguna vez fue tremendamente conocido en la escuela, y que vuelve por más chicas y más diversión (ojo con la escena en que se propone darse a conocer en poco tiempo).
Para las Jossies puede haber una nueva oportunidad en la vida, claro. Para esta cinta, me basta con ella por sí sola.
Título Original: "Never Been Kissed" Director: Raja Gosnell Guión: Abby Kohn y Marc Silverstein Actores: Drew Barrymore, David Arquette, Michael Vartan. Música: David Newman Fotografía: Alex Nepomniaschy
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FRASE(S) MEMORABLE
"Nunca más volveré a ser Jossie Feossi" (Jossie Geller) (nota del bloguero: como para darle el Nobel a los guionistas)
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RECOMENDADO PARA:
Romántic@s y ex nadie-se-dio-cuenta-de-que-existia-en-el-liceo.
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BOTÓN DE MUESTRA:
OJO!!!!!!!
SI NO LA HAS VISTO, Y QUIERES VERLA, ENTONCES NO VEAS ESTO (SPOILER!!).
Ambientada a inicios de la Segunda Guerra Mundial, la cinta cuenta la historia de Guido, un tipo bonachón, aunque muy pobre, que intenta mirar la vida con optimismo. Logró casarse con Dora, una joven adinerada con quien huyó, y ambos son los felices padres del pequeño Josué. Todo cambia cuando, en su condición de judíos, la familia es detenida por los nazis y llevada por separado a un campo de concentración. Allí Guido intentará hacer creer a su hijo que todo es un juego, a la vez que intenta ver a su esposa.
Hace décadas que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood se volvió poco seria. En ocasiones, claro, sube el nivel, y logra ponerse a la altura de cintas de calidad, por sobre la espectacularidad y el efectismo. Tenemos el caso de "Z", thriller magnífico, de origen griego, pero totalmente político (cosa que no es tan bien vista por ellos), que en 1969 logró doble nominación, a Mejor Película y Mejor Película Extranjera.
Pero también a los votantes de jóligud se les enternece el corazón y seguramente el bolsillo cuando deben entregar premios o nominaciones: ahí tenemos el caso de "Shakespeare Apasionado", una película bastante bonita, pero que no puede quedar por sobre "Rescatando al Soldado Ryan" o "La Delgada Línea Roja", en 1999. Este mismo año, el italiano Roberto Benigni, con una pequeña ayuda de sus amigos (gringos), dió a conocer al mundo la cinta que nos compete hoy, que también es parte de esta vorágine de dinero y publicidad llamada Hollywood. Que también es adictiva, por cierto.
La primera mitad de la cinta, es una serie de episodios en que conocemos a Guido, que hace de la vida un payaseo. Cuando conoce a Dora, su nivel de idiotización se dispara a las nubes, y con sus chistes e ingeniosos métodos logra conquistarla, a pesar de la tenaz oposición de la burguesa familia de la dama. En la segunda parte (con una simple pero buenísima forma de decir "... luego de algunos años...") el mundo de ambos, y de su pequeño Josué, se ve seriamente interrumpido por los nazis, cada vez más crueles, quienes terminan llevándose a los tres a una especie de Auswitch paraitalianis. Allí es donde las dotes de comediante de Guido deben sacar fuerzas entre tanta miseria, para que el pequeño no se de cuenta de lo que ocurre a su alrededor, creyendo que en realidad está en un juego (una especie de reality de los años treinta) donde, el que gane mile punti obtendrá un tanque de verdad.
La mirada benignesca de un horror como la Segunda Guerra Mundial causó controversia en su época, por mostrar risas en medio de la pena, pero aquí vemos cómo si bien en la primera parte los gags eran tiernos y bobalicones (y muy graciosos, hay que decirlo), desde la llegada al campo la cosa se pone más parecida a los chistes del esqueleto presentador de "Cuentos de la Cripta". Cuando a Guido no le quedan más chistes, sigue haciendo lo que hizo todo el film a través del humor: huir, pero esta vez debe hacerlo literalmente. Y cuando no le queda más ingenio para tapar la realidad a su hijo, no le queda otra que dejarlo escondido mientras él también termina.... ejem, digamos que huyendo.
El Oscar que creo que Benigni ganó merecidamente era el de mejor actor. Porque es él precisamente quien sostiene la película completa, el que le da vida. Además está muy bien dirigida, o mejor dicho, él se dirige muy bien a si mismo, en este homenaje al "Gran Dictador" del gran Chaplin. El gran Benigni, eso sí, no siguió siendo grande luego de aquel lejano 1999.
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FICHA TÉCNICA
Título Original: "La Vita è Bella" Director: Roberto Benigni Guión: Roberto Benigni y Vicenzo Cerami Actores: Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Giorgio Cantarini Música: Nicola Piovani Fotografía: Tonino Delli Colli
Guido: ¿Cuál es tu postura política? Otro Tipo: (hablándole a sus hijos) ¡Benito, Adolf! ¡Siéntense!. Disculpa Guido, ¿Que me decías? ...........................
"El Juego parte ahora. Tendrán que anotar mil puntos. Si lo logran, se irán a casa en un tanque gigante. Cada día anunciaremos los puntajes por altoparlantes, los que tengan menos puntos tendrá un cartel de "Burro" en la espalda. Hay tres maneras de perder puntos. Uno, si se ponen a llorar. Dos, si dicen que quieren ver a su mamá. y tres diciendo que tienen hambre y que quieren algo de comer. "
Guido, "traduciendo" a un soldado alemán que da instrucciones en el primer día en el campo.
ATENCIÓN! ATENCIÓN! ATENCIÓN! SI NO HAN VISTO LA PELÍCULA SE LES ADVIERTE QUE ESTAS IMÁGENES CONTIENEN SPOILERS (O SEA, PARTE DE LA TRAMA QUE NO SE DEBE CONTAR PARA ARRUINAR LAS SORPRESAS)
Charlie Kauffman, guionista, recibe el encargo de adaptar el libro "El Ladrón de Orquídeas", luego de haber logrado el éxito y la fama por su primer escrito "Quieres Ser John Malkovich". Como jamás ha hecho nada en base a la creación ajena, decide escribir la historia de él mismo intentando escribir el guión, al tiempo que vemos a la autora del libro, Susan Orlean, algunos años antes, realizando la investigación para el texto, cuando conoce al experto en orquídeas John Laroche. Al mismo tiempo que Charlie se deshace intentando hacer algo bueno, aparece su hermano gemelo, Donald, quien decide también escribir un guión, aunque soso y convencional.
Al leer el "de qué se trata" la película, uno inmediatamente tiende a pensar que la cinta es bastante aburrida. Pero... simplemente de eso trata. El maestro de maestros en guiones, Billy Wilder, decía refiriéndose a ellos: "Los directores no son alquimistas. No se puede convertir caca de gallina en chocolate". Una historia de apariencia aburrida (como aquellas en que dos personas se miran media hora, caminan por un camino desierto tres cuartos de hora y debaten sobre el significado de haber nacido bajo Plutón quince minutos más) es transformada en asombrosa, emotiva y demasiado entretenida por su guión, y su director, Spike Jonze. Y, a través de ella, vemos que cada vez que Charlie tiene una idea, la cinta cambia.
¿Tiene usted, estimad@ lector(a), alguna pasión en su vida? ¿Algo por lo qué luchar? ¿un sueño que lo impulse de tal manera a vivir que se levante y se acueste, y transmita cada vez que puede su deseo de ser o hacer algo? Si no, entonces nada de lo que ocurra en su vida tendrá sentido. Charlie sufre, porque su guión no avanza, Susan Orlean se inspira en John para revolucionar su existencia, el mismo John le da a Susan un espacio en su corazón entre su inconmesurable amor por sus orquídeas, y Donald, el aparentemente más superficial de todos, nos da una lección de sencillez sobre la vida.
Ver "El Ladrón de Orquídeas" es un poco eso: ver sobre los cambios que ocurren alrededor y adaptarse de la mejor manera (el título original es "Adaptación") , y observar por un momento que hemos olvidado las lecciones que nos puede dar una pequeña abeja que encuentra su flor precisa para el polen, y de que nuestro camino recorrido y por recorrer puede ser una fantástica experiencia. La vida no es aburrida.
Quiás me preguntes, ¿Que nada pasa en el mundo? ¿acaso estás demente?. Hay gente es asesinada todos los días. Hay genocidios, guerras, corrupción. Cada día, alguien sacrifica su vida para salvar a alguien. Cada condenado día, alguien o algo tiene la fija idea de destruir a alguien. La gente se enamora, se desenamora. ¡Por Dios! cada día un niño ve a su madre batirse a duelo en las escaleras de una iglesia. Alguien por ahí pasa hambre. Alguien por allá traiciona a su mejor amigo por una mujer. Si quieres encontrar algo de materia en la vida, entonces tu, mi amig@, no sabes NADA sobre la vida. Y entonces... ¿ por cuál ornitorrico motivo estás ahora leyendo las líneas que con tanto cariño he escrito con tus interrogantes? No tengo ninguna respuesta simpática para eso. No tengo nada para eso. (ésta es mi propia adaptación de una preciosa escena del film)
Puedo decir por último, que Nicholas Cage en su doble papel está casi tan impresionante como en "Leaving Las Vegas", que algún día conoceré a Chris Cooper y le daré las gracias por habernos brindado una de las mejores interpretaciones de la historia del cine, y que Meryl Streep es simplemente Meryl Streep, y ninguna línea que diga sobre ella la engrandecerá más de lo que es. Ah! y que el guionista de la película se llama realmente Charlie Kauffman, que realmente la cinta está basada en un libro, y que él como su ficticio hermano Donald fueron nominados al Oscar, siendo la primera vez que se nomina a un personaje inexistente. Inexistente para ellos, claro.
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FICHA TÉCNICA
Título Original: "Adaptation" Director: Spike Jonze Guión: Charlie Kaufmann y Donald Kaufmann, basado en el libro de Susan Orlean Actores: Nicholas Cage, Meryl Streep, Chris Cooper Música: Carter Burwell Fotografía: Lance Acord
"Se acabó. Todo. Lo hice todo mal. Quiero que vuelva a ser como antes. Quiero que todo sea como antes de que se jodiera todo. Quiero ser un bebé otra vez. Quiero ser nueva. Quiero ser nueva"
El trailer, porque es tan genial como la cinta. Traducción de los Títulos:
"...Charlie Kauffman escribe sobre su vida..." "...Con Gran Dificultad..." "...Su hermano gemelo, Donald, vive para escribir..." "...de manera excesiva..." "...Susan escribe sobre la vida..." "...Pero no puede vivirla..." "...La Vida de John es un libro..." "...Esperando a ser adaptado..." "...Una historia..." "..Cuatro vidas..." "...Un millón de maneras de terminar..."
(nota: agradezco a las más de ciento cincuenta visitas que este blog ha tenido en su primer mes. De todo corazón les doy las gracias, y de todo corazón les pido ¡COMENTEN!)