Tu Me Completas

Brazil (Terry Gilliam)

2010-02-01T02:13:00.014-03:00

Argumento:

En un mundo aparentemente futurista, un empleado público Sam Lowry (Jonathan Pryce) huye de los empleados de gobierno que lo ven como una seria amenaza contra su sistema, a la vez que se enamora de una misteriosa mujer.

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Con el estreno de su última cinta “El Imaginario del Doctor Parnassus”, que quedará en la historia por ser la última actuación de Heath Ledger, el director Terry Gilliam muestra nuevamente al mundo que después de “Brazil”, sus amargas visiones del surrealismo, o la realidad alterada (que viene a ser más o menos lo mismo) no han logrado ser igual a la cinta que nos compete, a pesar de aquella preciosura de filme que fue “12 Monos”, de la que espero escribir algún día.

George Orwell, y su magistral novela “1984” dejaron en nuestras manos una visión de futuro que cada vez se hace más verosímil, y a su vez el cine la ha usado de distinta manera, con resultados diversos. George Lucas, antes de “La Guerra de las Galaxias” (inspirada en las más optimistas novelas de “El Señor de los Anillos”), intentó hacer una lectura en la interesante “THX 1138”, donde Robert Duvall corría por su vida en un mundo donde todo esta controlado.

Control, dominio, abuso de poder… ¿A alguien le suena a vida real?... en nuestros tiempos, rodeados de reality shows, donde las cámaras están por cada rincón del planeta y google earth nos permite ver las calles de New York, Roma o Vancouver in situ, donde el internet y la telefonía casi no permite que estemos “solos” en este mundo, Orwell se hace cada día más presente. Y Terry Gilliam con “Brazil”, créanme, también.

El actor galés Jonathan Price (conocido últimamente por su rol en la saga “Piratas del Caribe”), es Sam, un empleado del Ministerio de Información, que por un error del sistema descubre los horrores de su gobierno, el que secuestra, tortura y expulsa a aquellos que no “trabajan” para que éste funcione. En medio, se enamora de Jill (Kim Greist), una guapa chica que intenta sin éxito que atiendan su reclamo por medio de vías “legales”, convirtiéndose pronto en una “díscola” junto con Sam.

Escalofriante es darse cuenta que por el detalle de una mosca cayendo sobre un papel, el nombre de una persona es cambiada, y por ende, detenida. Ambos buscan primero una solución para resolver el dilema, y luego para huir, al convertirse en enemigos del estado. A estos hechos sumamos el personaje de Ida (Katherine Helmond, famosa por su rol de Mona en la serie de TV “Quién Manda a Quién”), madre de Sam, una consumista empedernida que no comprende del todo la actitud errónea de su hijo. Con la ayuda de un gásfiter rebelde (tal como lo leen), llamado Harry Turtle (un divertido Robert de Niro), la pareja corre por una ciudad gigantesca, con edificios sin fin, oficinas apretadas y burocráticas, amigos no tan amigos y continuos sueños y delirios que no sólo confunden al espectador, sino además le cortan la respiración. En medio de todo, suena, en distintas variantes, la popular melodía “Brazil” (la la la la la la la laaaaaaaaaa), que sólo nos demuestra que es una tonta canción archi usada en USA, que recuerda de manera falsa un paraíso tropical y una felicidad acartonada que jamás llegará.

¿Cómo es posible entonces que una cinta de 2 horas y tanto de duración pueda ser soportable?. Ante todo, el toque de humor. Los personajes tienen momentos sumamente graciosos (los empleados del señor Kurtzmann viendo un western apenas él los deja solos, la madre de Sam y sus amigas, el par de plomeros oficiales del ministerio, y el ya mencionado Harry), excelente contraparte a personajes como el siniestro Jack, o los sueños de Sam peleando con unos samuráis de hierro (homenaje de Gilliam a Kurosawa), volando sobre la ciudad, o en persecuciones dignas de una cinta de James Cameron. Además, como he mencionado, la partitura de Michael Kramen hace maravillas con la cancioncilla antes mencionada (creada en 1940), creando un score tan memorable que ha sido usado, solo por mencionar dos ejemplos, en los trailers de “¿Quieres Ser John Malkovich” y “Wall-E”. Y no es posible olvidar que la estética de cine negro y a la vez de ciencia ficción futurista, vestimenta atemporal, efectos especiales simples pero muy bien logrados y una cuidada dirección de arte, le dan un toque agridulce sumamente atractivo. Inolvidable.

Para no olvidar que la sociedad de consumo no ha hecho más que empobrecer la cultura y la libertad de expresión, y donde Hollywood nos acostumbra a películas con finales felices, sexualidad reprimida, oda a la american way of life y, peor aún, aborrecimiento a quienes piensan distinto en cualquiera de sus formas, “Brazil” es una película imprescindible.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Brazil"

Año: 1985

Director: Terry Gilliam

Guión: Terry Gilliam, Tom Stoppard y Charles McKeown

Música: Michael Kramen

Reparto: Jonathan Pryce, Robert de Niro, Katherine Helmond, Kim Greist, Michael Palin, Ian Holm, Bob Hoskins.

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DIÁLOGO MEMORABLE

Sam: Mi nombre es . Sam Lowry. Debo reportarme al Sr. Warrenn.
Portero: Piso trece. Lo están esperando.
Sam : ¿No me va a registrar?
Portero: No señor.
Sam : ¿No quiere ver mi identificación?
Portero: No es necesario, señor.
Sam: Pero, podría ser cualquier persona.
Portero: No podría señor. Lo sabemos. Este es el departamento de información.

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RECOMENDADO PARA

Fanáticos de "Donnie Darko" , "El Efecto Mariposa" y "El Maquinista" que quieren ver algo realmente complejo y a la vez entretenido.
También recomendado para todo público.

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BOTÓN DE MUESTRA

Burocracia en el Ministerio de Información.

Día de la Independencia (Roland Emmerich)

2009-12-03T03:17:00.018-03:00

Argumento:

Los aliens vienen a la tierra para cumplir un plan sistemático de dominación en el planeta tierra, destruyendo todo a su paso. Será el Presidente de Estados Unidos, un piloto de la fuerza aérea estadounidense y un nerd quienes salven al mundo mientras todos intentan esconderse y huir.

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Aquel inolvidable día en que ambas torres gemelas cayeron desplomadas en las aterrorizadas calles neoyorkinas, yo estaba acompañando a mi señora madre a la consulta médica, desde donde vi aquel avión atravesando como mantequilla uno de los edificios. Como todos en aquella sala, me incorporé en los cómodos sillones (donde siempre me quedaba dormido, como en casi todos los sillones del mundo), y, segundos después del grito de espanto inicial, me tranquilicé pensando “bah, esto no debe ser más que la última película de Roland Emmerich”…

Y aunque lamentablemente tuve que salir de mi error más tarde, los cinéfilos no pueden negarme que el alemán aquí mencionado tiene por mayor mérito exaltar las catástrofes con los más rimbombantes (e impresionantes, hay que decirlo) efectos visuales – especiales, héroes tremendamente patriotas y enemigos naturales y/o extraterrestres que jamás podrán derrotar a la inteligente raza humana, aunque sólo quede un puñado de ellos que resista.

De todas ellas, es “El Día de la Independencia” la joyita de su filmografía, no sólo porque fue la más taquillera en su tiempo, sino porque, en una historia bastante más lograda que “La Guerra de Los Mundos” de Spielberg, donde los extraterrestres no tienen mayor intención que aniquilar la raza humana, extraer los recursos naturales, y huir, los tres personajes principales tienen a su haber historias que se mezclan de manera atractiva: El Capitán Steven Hiller, tiene una relación, un hijo y un perro con Jasmine, bailarina de striptease que huye del primer ataque sobre New York. David Levinson, científico medio turuleco, descubre poco antes de los ataques la señal con la cuenta regresiva de los visitantes, y junto con su curioso padre, se dirige a la Casa Blanca a entregar el mensaje, contactados por Constance, asesora del gobierno y ex esposa de David. Y por supuesto, el más importante de todos es el Presidente de Estados Unidos, Thomas Withmore, ex compañero de escuela de David, quien debe enfrentar este problemilla de la manera más rápida posible, teniendo a su vez a su esposa, la Primera Dama, supuestamente muerta luego de que el helicóptero que la llevaba fuera derribado, siendo que en realidad fue rescatada por Jasmine.

Al final, sólo familias más o menos unidas, en un país como iÚ-ES-Éi se erigen como la única salvación a este miserable mundo en el que vivimos, sea por los extraterrestres o por la vida misma, expresada en el personaje del fumigador alcohólico (Randy Quaid), abducido en el pasado que busca venganza, y sus hijos, más el grupo de los que reciben a los aliens con pancartas de bienvenida, los científicos que sienten por esta invasión la misma alteración hormonal que los militares por la guerra y el compañero de trabajo de David y su intento por huir “sin avisarle a mi abogado”.

Emmerich, alemán talentoso (su tesis de la universidad, la película “La Nueva Arca de Noé”, fue un éxito en los 80’, y fue considerada “La Star Wars alemana”), tiene una particularidad en su cine que en “El Día de la Independencia” se presenta de la mejor manera: a pesar de la grandielocuencia, de los enormes escenarios, las explosiones y la destrucción masiva, no muestra rasgos de pretensión (O los sabe disimular muy bien), como si ocurre, por ejemplo, con muchas cintas de Michael Bay, o con películas posteriores del mismo director, como "10.000 a.c." o "2012". El resultado final es tan entretenido que no notamos que alguien intenta vendernos una idea, a pesar que Roland sabe muy bien lo que filma, y para quien lo filma.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Independence Day"

Director: Roland Emmerich

Guión: Roland Emmerich y Dean Devlin

Música: David Arnold

Reparto: Will Smith, Bill Pullman, Jeff Goldblum, Judd Hirsch, Mary McDonell, Randy Quaid, Margaret Colin, Vivica A. Fox.

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DIÁLOGO MEMORABLE

Presidente: ¿Y si dominan el mundo, que podemos hacer nosotros?

Científico Dominado por los Aliens, quienes hablan por su voz: Moriir… ghhhhh

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RECOMENDADO PARA

Fans de la ciencia ficción, del cine de acción

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BOTÓN DE MUESTRA

Discurso Presidencial

Fahrenheit 9/11 (Michael Moore)

2009-05-22T21:58:00.005-04:00

Argumento:

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La búsqueda del documentalista Michael Moore por probar la culpabilidad de la administración Bush en los sucesos del 11 de Septiembre de 2001

Comentario

Generalmente el cine político pasa de moda muy rápido. Lo mismo que las personas o entidades aludidas en dicho género. Costa-Gavras, uno de los exponentes clásicos del tema, ha trascendido, por tocar tópicos más amplios y darle una pizca de entertainment que se agradece. Einsenstein y Riefenstahl, leyendas de la vieja escuela, más que nada aportaron a la propaganda, y otros como Ken Loach, Jim Sheridan y Spike Lee han logrado en general buenos trabajos, incluso indiscutidos resultados notables (“Tierra y Libertad”, “Mi Pie Izquierdo”, “Haz lo Correcto”, respectivamente), pero en la materia que nos compete, no están entre los primeros lugares.

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Desde Estados Unidos, uno de los países escogidos como blanco de ataque por parte de muchos (no sólo cinematográficamente hablando), surgió a fines de los ochenta la gruesa figura de Michael Moore, quien se ha tomado muy en serio su labor de vocero de la Norteamérica “popular”, pero un vocero furioso, que denuncia con todo el derecho que le da su condición de gringo-gringo las injusticias de su nación. Su obra maestra, “Bowling for Columbine”.

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“Fahrenheit 9/11” es un alegato desvergonzadamente parcial sobre la caída de las Torres Gemelas, sin olvidar sindicar, de paso, a George Bush como el responsable casi absoluto de esta tragedia, y los errores que lo llevaron a ello, además de recordarnos la polémica elección que ¿ganó? el 2000.

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Las imágenes desgarradoras sobran: la patriota madre que perdió a su regalón en la guerra, los muchachos sin mucho cerebro ni formación militar (para muchos, exactamente lo mismo) que pelean con rabia, el reclutamiento de jóvenes, literalmente, en plena calle, y la posterior visita de Moore (actor principal de sus documentales) al congreso para que los senadores inscribieran voluntariamente a sus hijos, con divertidas consecuencias.

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Pero además, inserta repetidamente graciosas caricaturas de los sucesos y los personajes, con guiño a la serie “Bonanza” incluido, y una irónica voz en off, cuyo momento de perfección lo alcanza la lectura de cuentos de Bush a unos niños en Florida mientras le informan la catástrofe que ocurre en Nueva York en esos momentos, y como mención honrosa la entrevista a Britney Spears.

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A pesar de esta ametralladora de pruebas contra el gobierno de aquellos años, no se puede pasar por alto los bajones de ritmo que en una cinta un poco demasiado larga, de dos horas de duración, se aguantan a medias, y termina apestando un poco (sólo un poco, hay que decirlo), el hecho de tanta imparcialidad, que nunca termina jugando a favor del fiscal que Moore quiere ser. No le pido mentiras, solo cierto equilibrio en lo que a la temática se refiere, que en “Bowling…” se esparcía armoniosamente, quizá porque la búsqueda de culpables era menos abierta que acá.

A pesar de estas cosas, “Fahrenheit 9/11” es un imprescindible de la primera década del siglo.

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Ficha Técnica

Título Original: "Fahrenheit 9/11"

Director: Michael Moore

Guión: Michael Moore

Música: Jeff Gibbs

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Línea Memorable

"En el momento que ocurrió el ataque, el Señor Bush iba en camino a una escuela básica en Florida. Cuando fue informado del ataque del primer avión chocando con el World Trade Center, donde los terroristas intentaron atacar ocho años antes, el Señor Bush decidió seguir adelante con su oportunidad de fotografías. Cuando el segundo avión chocó la torre, el jefe de su grupo entró al salón y le dijo al Señor Bush que la nación estaba bajo ataque. Nadie sabía que hacer, nadie le dijo a él que hacer, ningún miembro del servicio secreto se apuró en llevarlo a un lugar seguro. El Señor Bush siguió allí, sentado, y continuó leyendo 'Mi Mascota, la Cabra' con los niños. Cerca de siete minutos más pasaron, antes que se hiciera recién algo."

Recomendado para:

Anti-Bush´s people.

Botón de Muestra

http://www.youtube.com/watch?v=RnvZqW53kT4

I.A.: Inteligencia Artificial (Steven Spielberg)

2008-05-10T23:10:00.003-04:00

Argumento

Un niño-androide es abandonado por su humana madre adoptiva, y busca a quien le ayude a convertirse en un niño de verdad

Comentario

Cuenta la leyenda que Stanley Kubrick y Steven Spielberg tomaban un par de copas en la casa del primero de ellos, cuando éste le planteó la idea que tenía de hacer una cinta sobre un niño-robot con sentimientos, hecho para amar. El director de “El Resplandor” le dijo que había intentado averiguar sobre la posibilidad de usar un auténtico robot, pero sus planes habían fallado estrepitosamente. Entonces, le ofreció a Steven hacerse cargo del proyecto. “Tengo algunas notas guardadas”, dicen que dijo. Se dirigieron al despacho del dueño de casa, y grande fue la sorpresa de Spielberg al ver veinte archivadores repletos de dibujos, borradores y apuntes que tenía su amigo sobre el tema. Así que, tras el fallecimiento de Stanley, el director de “Tiburón” se decidió por dirigir el filme.

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Con la presión de un genio detrás, en “I.A.”, Spielberg intenta cambiar la idea original de Kubrick, y manejar las cosas a su modo, a través de la historia de David (Haley Joel “veo gente muerta” Osment), un niño androide que llega a la casa de los Swinton (gran interpretación de Frances O’Connor como la madre), que tienen a Martin, su hijo menor, en coma. Cuando Monica Swinton se decide a “activar” a David, se asombra ante el comportamiento casi humano del niño, quien tiene como juguete al también robot, el osito Teddy. David se convierte en la alegría del hogar… hasta que Martin vuelve. Aquí comienza una película nueva, ya que la rivalidad entre ambos y varios incidentes involuntarios obligan al matrimonio a deshacerse de él. En una escena desgarradora, Mónica lleva a su “hijo” al bosque, y tras un par de instrucciones, lo abandona junto con su juguete.

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Aquí es donde el pequeño descubre el odio hacia su condición, luego de ser capturado por seres humanos anti robots, y llevado a la “Feria de Carne”, lugar de entretenimiento donde los “meca” (de “mecánicos”), son destrozados por los “orga” (de “orgánicos”) con un público encendido tipo WWF, mientras cada androide espera su turno. Por casualidad, David logra escapar de la mano de un androide prostituto, Gigoló Joe (Jude Law, como siempre destacando), quien es perseguido injustamente por el crimen de una clienta. Será con él con quien David iniciará (en una tercera parte) la búsqueda del Hada Azul, personaje de Pinocho, que eventualmente podría convertirlo en “un niño de verdad”….

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A ver, ¿mi opinión de la cinta? Pues, que los efectos especiales son sobresalientes (sobretodo por los androides “descascarados”, Nueva York bajo el agua y los seres de la última secuencia), John Williams compone una de sus partituras más bellas, a pesar de ser también una de las más discretas, las actuaciones están al nivel de lo esperado y la mano de Spielberg siempre se mueve con maestría. ¿Qué le falta entonces?, pues, ante todo, una historia más simple, concisa. “Inteligencia Artifical” tiene, como dijo un crítico por ahí, poco de inteligente, y mucho de artificial, dándonos distintas tramas que nunca se profundizan del todo a medida que avanza el guión, hasta llegar a un final que muchos discuten hoy en día, pero que a mi parecer es lo mejor logrado.

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Quizá Kubrick le quedó grande a Spielberg, pero yo no me atrevería a aseverar eso. Porque la cinta no es para nada aburrida, pero donde el primero pone una frialdad y un seco humor negro (como olvidar las bombas atómicas que explotan en todas partes del mundo mientras suena una canción que dice “nos veremos de nuevo, no se donde, no sé cuándo” en su magnífica comedia “Doctor Insólito”, o el “final feliz” de Alex en “La Naranja Mecánica) el segundo añade un poco de almíbar y deja un mensaje optimista. Digamos que Steven hizo lo que pudo. Pudo bastante, en realidad, pero no lo suficiente.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Artificial Intelligence: A.I."

Director: Steven Spielberg

Guión: Steven Spielberg e Ian Watson (basado en la historia corta de Brian Aldiss “Los Súperjuguetes duran todo el Verano”)

Música: John Williams

Reparto: Haley Joel Osment, Frances O’Connor, Jude Law, William Hurt.

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DIÁLOGO MEMORABLE

David: Mami, ¿Vas a morir?

Mónica: Bueno, algún día David, sí, lo haré.

David: Me quedaré solo.

Mónica: No te preocupes tanto por eso ahora.

David: ¿Por cuánto tiempo vivirás?

Mónica: por unos cincuenta años más.

David: te amo Mami. Espero que nunca mueras. Nunca.

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RECOMENDADO PARA

Los que gustan de la ciencia ficción “profunda”.

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BOTÓN DE MUESTRA

Trailer.

(nota: agradezco las más de 150 visitas de la primera semana!)

Bananas (Woody Allen)

2008-05-03T15:48:00.013-04:00

ARGUMENTO

Un neoyorquino de la especie “pobre tipo”, viaja hasta un pequeño país centroamericano, San Marcos, para demostrarle a su novia, una activista política, que el realmente la merece. En el camino, se topa con los rebeldes y termina llegando a la presidencia de dicho país y, como tal, debe volver a Estados Unidos a dar conferencias.

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COMENTARIO

Entrevistado por medios brasileros por el estreno de su más reciente película “El Sueño de Cassandra”, Woody Allen comentaba que él había “nacido para hacer comedia”, pero que siempre quiso brillar como director de dramas. Y vaya que los ha hecho, si recordamos monstruosas obras maestras como “Hannah y Sus Hermanas” y la más reciente y actualmente de culto “Match Point”, sólo por nombrar dos.

Y en esos momentos inspirados por Dios, me topé un sábado por la noche con “Bananas”, cinta del lejanísimo 1971 (mil disculpas para los mayores de 30), su cuarta película, donde explota la comedia absurda y el chiste visual heredado de los aún más lejanos hermanos Marx (mil disculpas para los mayores de 70), de un modo delicioso, delirante, donde hasta el crítico más ortodoxo se da cuenta que Allen no tenía la más mínima intención de dar un golpe a la cátedra. Aunque quizá con el tiempo sí lo hizo.

Luego de un opening donde ¡la prensa deportiva! de Estados Unidos relata en directo un golpe de estado en la ficticia y pequeña San Marcos, se muestra la vida de Fielding Mellish (un nombre de por sí gracioso, interpretado por él mismo), es un seudo intelectual, sorprendido en una tienda de revistas comprando Playboy de manera secreta, argumentando luego estar “haciendo un estudio psicológico sobre la perversión”, y además es pillado por un grupo de delincuentes (ojo, uno de ellos es un por entonces desconocido Sylvester Stallone) de quienes se burla por la ventana de vagón del metro, pero que es incapaz de defenderse cuando se abren las puertas de nuevo.

Y parte a San Marcos a instancias de su deseable novia, quien los desprecia por no tener capacidad de líder. La llegada y la estadía en dicha nación tienen escenas notables, que finalmente llevan a Mellish a caer en manos de los rebeldes, donde un símil del Che Guevara llamado Esposito (Jacobo Morales, destacado actor y director puertorriqueño, autor de la nominada al Oscar “Lo Que le Pasó a Santiago”) le enseña la vida en la selva y lo adhiere a la revolución, que toma lugar más tarde.

Pero Esposito, el ahora nuevo Presidente, se le sube el poder a la cabeza (ojo con el legendario discurso de asunción de mando) y será Fielding quien asuma el gobierno, y su primera misión será viajar a Estados Unidos para mostrar los beneficios de la revolución. Allí será descubierto, enjuiciado y luego se convertirá en celebridad. Todo esto, en medio de gags de todo tipo, incluso fuera de contexto, como la hilarante publicidad de cigarrillos “Nuevo Testamento”.

Ver “Bananas” no es sentarse a ver una reliquia del cine. Es realmente disfrutar del humor puro que Woody alguna vez tuvo en plenitud. Luego vendría “Annie Hall" y su carrera tomaría un nuevo rumbo, un poco más profundo, que a pesar de convertirlo para siempre en un magnífico bicho raro de Hollywood, lo haría ser para siempre un maestro de la comedia. “Bananas” es de un era anterior, cuando sólo era un muchacho con ganas de hacer reír.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Bananas"

Director: Woody Allen

Guión: Woody Allen y Mickey Rose

Música: Marvin Hamlisch

Reparto: Woody Allen, Louise Lasser, Carlos Montalbán, Jacobo Morales

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DIÁLOGO MEMORABLE

Nancy: ¿has estado alguna vez en Dinamarca?

Fielding: Ehh, si, he estado en... he ido al Vaticano

Nancy: ¿El Vaticano? pero eso está en Roma

Fielding: ahh, es que les fue tan bien en Roma que abrieron una sucursal en Dinamarca

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RECOMENDADO PARA

Quienes conocen algo sobre la revolución cubana, fans de Woody Allen y quienes gocen del humor absurdo.

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BOTÓN DE MUESTRA

el traductor

Adiós a Heath Ledger

2008-02-17T12:50:00.003-03:00

(Publicado originalmente el 24 / 01 / 2008 en http://www.cineybso.com)

Enterarme de la muerte de Heath Ledger es algo tremendamente chocante. Debo decir de principio que no me gustaba mucho como actor, pero más que todo por un tema de inexperiencia. Claro, tengo la manía de comparar a todo el mundo con James Stewart o Marlon Brando, pero Heath tenía décadas por delante para demostrar que podía ser consagrado. Al Pacino en “El Padrino”, no actúa realmente bien, le faltó un pelín de genialidad en “Caracortada” y recién en la tercera parte de la saga Corleone logró mover un poco los músculos faciales, pero ahora de viejo es un indiscutido maestro.

Pero Heath era de esos actores que se espera envejezcan con uno, de los que aparecen en televisión cuando haces zapping y de a poco te das cuenta que ya no eres el adolescente quinceañero que soñaba con que Julia Stiles se fijara en ti mientras que Ledger no se amilanaba en tomar el micrófono y en plena cancha de la escuela secundaria cantar “no puedo despegar mis ojos de ti”, a pesar de que aquella fierecilla domada que era Stiles se burlara una y otra vez de él, despreciándolo. Eso sí, sólo hasta que quedaran unos minutos para el final, y los productores dieran el "vamos" al japiend.

Actores jóvenes como él son los que esperas ver cuando vas a casa de tus tíos solteros, y los acompañas de mala gana a ver una cinta histórica hiperviolenta con Mel Gibson a la cabeza, quien pretende que aceptemos que un viudo con siete hijos, tome venganza de una manera tan descarnada, haciendo saltar en pedazos a miles de británicos, mientras su retoño (Heath, por supuesto), enamora a la chica de sus sueños, haciéndose entre ellos aquella broma privada del té con tinta. Esperas que él esté ahí, en la pantalla, al mismo tiempo que te das cuenta que a pesar de lo cinéfilo que eres te gusta el cine chatarra, y que Roland Emmerich no se diferencia mucho de Godard cuando quieres relajarte un rato.

Cómo es posible que haya muerto, cuando esperaba algún día estar casado y con hijos a quienes enseñarles que ver “Corazón de Caballero”, con aquel melenudo blondo corriendo carreras medievales al ritmo de Queen era casi tan dañino como el spray anti-ozono, el Big Mac y “Mi Lucha”. Entonces mis pequeños me dirían “y ese actor, quién es?”, y yo les diría “ahh, un tipo que ahora está mucho mejor que antes, así que no lo odies por este film. Nadie es perfecto, ni siquiera tu padre”.

Claro, no puedo olvidar tampoco aquel breve, pero difícil papel de hijo de Billy Bob en “Monster’s Ball”, enfrentado a un hogar racista, donde, gracias a su tremendo esfuerzo (esta vez lo digo en serio), no alcanza a ser eclipsado por el talentosísimo Thornton y la grandiosa Halle, ambos en los papeles de sus vidas. Ahí estuve yo también, con la boca abierta hasta el suelo, no sólo por lo que ustedes saben que ocurre en esa cinta entre los protagonistas en cierta escena, sino que por el rostro desencajado del policía-hijo-de-un-policía que Heath interpretaba con una sensibilidad única. Que quizá no se diera cuenta de su talento, es otra historia.

No, no puedo aceptarlo. ¿Cómo podremos despertar mañana si un joven como Heath no va a estar? ¿Quién interpretará los papeles que el destino le tenía para la treintena, para los cuarenta, para el medio siglo? ¿Quién será su sustituto? ¿Sean Williams Scott?!!.

Sí, lo sé. Si el mundo logró avanzar con la muerte de James Dean, seguro lo harán con la de Ledger. Y a pesar de mis prejuicios debo reconocer que con Ennis del Mar dejó un legado a las futuras generaciones actorales. Interpretar a un tipo que no solamente es un gay reprimido, sino que un viejo, un esposo aproblemado, un hombre solitario, un padre que ama a sus hijas pero sigue siendo frío, con la entereza y el carácter de este tipo, no lo hace cualquiera. Si, Heath, hiciste un buen trabajo. Cazar espíritus malignos falsos y verdaderos, junto con Matt Damon, fue un juego de niños (sobriamente dirigido por Gilliam), pero “Secreto en la Montaña” fue una proeza. Jake es un idiota, pero tú con esto te convertiste en una estrella. Casi he olvidado aquellos asquerosos y forzados ósculos de la cinta, algo totalmente secundario, pero es imposible no sentir un escalofrío al verte en aquel remolque, viejo y callado, sentado mirando el traje de quien pudo pero no fue.

Te observé con envidia rompiendo corazones en siglos pasados, casi sin ningún pudor, con la preciosa Sienna entre tus brazos cínicos, y también espero ver que diantres hiciste en tu papel de Bob Dylan, y no niego el furor que causarás como el Joker en la última de Batman. Y vamos a ver cómo arreglamos el lío que dejaste con la última de Terry, a medio terminar...

Es inevitable. Ya no estás aquí. En la tierra. Pero seguro que estarás por siempre allí. En la pantalla. Y acá. En la memoria.

Jerry_Kane Awards 2007

2008-01-05T23:51:00.000-03:00

Este año doy comienzo a mi propia entrega de premios, con las mejores películas que he visto durante este año. En algunos casos, las películas nominadas ya las había visto anteriormente, pero su calidad exigió que fueran incluidas luego de haberles dado un vistazo en el año recién pasado. Además se incluyó una categoría para ellas. Aquí, luego de una difícil decisión las nominadas y ganadoras:

Mejor Película Vista el 2007

Bailarina en la Oscuridad
Dias de Radio
Ed Wood
Que Bello es Vivir
Sombras de una Duda
Testigo de Cargo (Ganadora)
Traidor en el Infierno

Mejor Comedia

Alta Fidelidad
Arsénico por Compasión
Bananas (Ganadora)
Bésame Tonto
Días de Radio
La Vida de Brian

"- Escúchenme, yo soy su nuevo presidente. Desde ahora en adelante, el idioma oficial de San Marcos será el sueco. ¡Silencio!. Además de esto, todos los ciudadanos deberán cambiarse la ropa interior cada media hora. La ropa interior se usará por fuera, así podremos controlarlo. Además, todos los niños, menores de dieciséis años, tienen ahora, dieciséis años. "

Mejor Drama

- Bailarina en la Oscuridad
- Gosford Park
- Niños del Hombre
- Que Bello es Vivir (Ganadora)
- Sombras de una Duda
- Testigo de Cargo

Mejor Película Freak

Bailarina en la Oscuridad (Ganadora)
Donde Estás Hermano?
Donnie Darko
El Discreto Encanto de la Burguesía
El Ladrón de Orquídeas

Mejor Película vista mil veces

Cinema Paradiso
Eterno Esplendor
Los Imperdonables
Pequeña Miss Sunshine
Piso de Soltero (Ganadora)
Una Eva y Dos Adanes

Mejor Película Animada

“Los Padrinos Mágicos en: Cazador de Canales”
“Monsters Inc.” (Ganadora)
“Titán A.E.”

Mejor Película "Placer Culpable"

28 Días
Cómo Perder a un Hombre en diez días
Encantada
Hairspray (Ganadora)
Harry Potter y la Orden del Fénix

Mejor Guión

"Donde Estás Hermano?" por los hermanos Coen
"El Discreto encanto de la Burguesía", por Luis Buñuel y Jean Claude Carriere
"Que Bello es Vivir" por Frances Goodrich, Frank Capra, Albert Hackett y Jo Sterling
"Testigo de Cargo" por Billy Wilder y Harry Kurnitz (Ganadores)
“El Ladrón de Orquídeas”, por los hermanos Kaufman
“Gosford Park”, de Julian Fellowes

Mejor Director

Alfred Hitchcock por "Sombras de una Duda"
Billy Wilder por “Testigo de Cargo” (Ganador)
Billy Wilder por “Traidor en el Infierno”
Frank Capra por “Que Bello es Vivir”
Tim Burton por “Ed Wood”
Woody Allen por “Días de Radio”

Mejor Actor Principal o Secundario

Charles Laughton por “Testigo de Cargo” (Ganadora)
James Stewart por “Que Bello es Vivir”
Joseph Cotten por "Sombras de una Duda"
Martin Landau por “Ed Wood”
Robert Strauss por “Traidor en el Infierno”
Tim Blake Nelson por "Donde Estás Hermano?"

Mejor Actriz Principal o Secundaria

Elsa Lanchester por “Testigo de Cargo” (Ganadora)
Björk por “Bailarina en la Oscuridad”
Meryl Streep por “El Ladrón de Orquídeas”
Kim Novak por “Bésame Tonto”
Giulietta Massina por “La Strada”
Helen Mirren por “Gosford Park”

Mejor Personaje Masculino

Animal en “Traidor en el Infierno”
Barry de “Alta Fidelidad”
Bela Lugosi en “Ed Wood”
El Traductor de “Bananas” (Ganador)
Frank de “Donnie Darko”
Tío Charlie de "Sombras de una Duda"

Mejor Personaje Femenino

Agatha de “Sentencia Previa”
Edna Turnblad de "Hairspray"
Miriam en “Niños del Hombre”
Miss Plimsoll en “Testigo de Cargo” (Ganadora)
Sally White de “Días de Radio”
Tía Abby y Tía Marta de “Arsénico por Compasión”

Mejor "Cosa Técnica" en una película

"Dónde estás hermano?" y la lograda escena de la inundación
"Ed Wood" y su fotografía (Ganadora)
“Bailarina en la Oscuridad” y la pésima y a la vez encantadora edición
“Días de Radio” y su ambientación
“El Ladrón de Orquídeas” y los distintos crecimientos acelerados y los sueños de Charlie Kauffman
“Niños del Hombre” y su fotografía

Mejor Perfomance Musical (baile o canto)

"Bailarina en la Oscuridad" ("Smith Wesson" por Bjork)
"Dónde estás Hermano?" ("I am a man a Constant Sorrow" por los Soggy Bottoms Boys) (Ganadora)
"Que Bello es Vivir" (“Y love you Truly” por Ward Bond y Frank Faley)
“Alta Fidelidad” (“Awakening Sunshine”, por Jack Black)
“Bananas” (“Canción de Rebeldes” por Jacobo Morales)
“Días de Radio” (“Canción de reLax ” por Mía Farrow)
“La Vida de Brian” (“Always look at the Bright Side of Life” por Eric Idle)

Este ha sido mi año cinéfilo 2007. Casi sin darme cuenta, "Testigo de Cargo" se convirtió en multipremiada, y se lo merece totalmente. Pero todas las personas y películas nominadas, son tremendamente apreciadas por mí, y creo que son el filete de muchas cintas buenas que vi en el año.
Si conoces alguna de las películas, tu opinión será valiosa.

CINEMA PARADISO (Guiseppe Tornatore)

2007-09-25T09:20:00.000-04:00

Alfredo: Viviendo aquí el día a día, tu piensas que este es el centro del mundo. Tu crees que nada cambiará. Entonces te vas: un año, dos años. Cuando vuelves, todo ha cambiado. Tu mundo se ha roto. Lo que vienes a buscar no está aquí. Lo que alguna vez fuiste se ha ido. Necesitas irte muy lejos, por un largo tiempo… antes de que puedas volver y encontrar tu familia. La tierra donde naciste. Pero no ahora. No es posible, porque estás tan ciego como yo lo estoy.

Salvatore: ¿Quién dijo eso? ¿Gary Cooper? ¿James Stewart? ¿Henry Fonda? ¿Quién?

Alfredo: No, Toto. Nadie más lo ha dicho. En este momento, he sido yo. La vida no es como en las películas. La vida… es mucho más dura.

Revisar este emotivo diálogo de la cinta italiana “Cinema Paradiso” es transportarse, sintiendo un escalofrío en el espinazo, no sólo a una magnífica película, sino al corazón desnudo de lo que significa la entretención en cualquiera de sus

formas: un escape momentáneo de la realidad. Es por eso que las palabras sabias del viejo Alfredo llegan a marcar la finalmente triste existencia de un hombre que ama el cine. Es él quien ha enseñado a Toto (apodo de Salvatore), a manejar la proyectora del cine del pueblo, de cuyo nombre se toma el título del filme.

Esto por supuesto, no hará desistir de esta adicción a un cinéfilo como el que suscribe, quien sabe que basta con una escena llena de besos prohibidos para olvidar los daños colaterales que el séptimo arte provoca en el ser humano.

En esta cinta, estamos presenciando la historia de dos seres, marcados por el auge y caída de un cine de barrio que termina derrumbando sus propias vidas, no sin antes haberlas elevado de la mano de Chaplin, y olvidadas estrellas italianas del cine como Luchino Visconti y Silvana Mangano.

Por esas cosas del destino, la cinta de Tornatore tuvo escaso éxito en su país de origen, pero los gringos hicieron lo propio, lanzándola a la fama mundial, con Oscar a la mejor película extranjera, y Globo de Oro incluidos.

El maestro de maestros, don Ennio Morricone, nos aporta su más lacrimóngena banda sonora, inolvidable, donde es imposible no querer hacer bromas mientras se exhibe el filme, con el único fin de evitar las lágrimas. Sus flautas traversas y violines sutiles tiene como clímax la escena de la lluvia en la proyección al aire libre, y el magnánimo final con los besos ya mencionados, donde el director hace una aparición como el proyeccionista de la vieja cinta.

Pero por sobre todo (incluso la secuencia anteriormente mencionada), es destacable el 100% de las escenas dentro del cine (por sobre la historia de amor de Salvatore), con anécdotas inolvidables cada vez que se proyectaba una película, presentando personajes entrañables (el tipo que escupe desde la platea, el sacerdote emocionado con las cintas, la pareja que se conoce dentro, aquel que cuenta los finales, el “loco de la plaza”, uno que siempre se queda dormido, etc), siendo el cine mismo (como siempre) el alma de todas las proyecciones.

La fotografía de Blasco Giurato le da el perfecto toque de melancolía que “Cinema Paradiso” necesita, con noches iluminadas, atardeceres con luz tenue, días soleados y solitarios que hacen recordar viejos spaghetti westerns, y las proyecciones del cine iluminando fuertemente los rostros de los asistentes. Obtuvo una nominación a los Premios BAFTA, más conocidos como los “oscars británicos”

De las actuaciones, quien se roba la película, es Alfredo, el proyeccionista, interpretado por el gran Phillippe Noiret (quien, recordemos, interpretó a Neruda en “El Cartero”), y de los tres Salvatores, el pequeño niño (Salvatore Cascio) brinda una picardía insólita, el joven (Marco Leonardi) la estupidez propia de un adolescente, y el laureado actor, productor y director Jacques Perrin hace lo propio como un maduro lleno de traumas de su infancia, dando los tres una profundidad pocas veces alcanzadas en un filme con varios actores interpretando al mismo personaje. Además de la bella y grácil Agnese Nano como Elena, el amor imposible.

…Dan ganas de volver siempre al Cinema Paradiso. Dan ganas, de volver a vivir.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Nuovo Cinema Paradiso"
Director: Guiseppe Tornatore
Guión: Vanna Paoli y Guiseppe Tornatore
Actores: Phillippe Noiret, Salvatore Cascio, Marco Leonardi, Agnese Nano
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Blasco Giurato

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BOTÓN DE MUESTRA

ATENCIÓN, SPOILER: ESTA ESCENA ES PARTE IMPORTANTE DEL ARGUMENTO DE LA CINTA. SI NO LA HAS VISTO, NO TE ARRIESGUES!!

Pixar y "Ratatouille": De hombres y ratoncitos

2007-06-30T12:16:00.000-04:00

Si alguna vez la gente de Disney tuvo una buena idea, fue contratar los servicios de Pixar Animation Studios. Y si alguna vez Pixar tuvo una buena idea, fue contratar a Brad Bird.

Me sorprendió mucho, antes del estreno de Los Increíbles, el hecho que los genios creadores de Toy Story hayan tenido la osadía de bajar el moño y contratar a quien se hiciera célebre por una sola cinta animada: El Gigante de Hierro. Con este film, Bird se convirtió en una verdadera celebridad, al nivel de no sólo ser llamado por el estudio mencionado, sino además tener la libertad de hacer lo que le diera su regalada gana. Una especie de Orson Welles de los dibujos animados.

Y defraudó poco y nada: no sólo fue la “Pixar-movie” que más premios Oscar ha ganado (en un hecho inédito para la productora), en las categorías Mejor Película Animada y Mejor Edición de Sonido, sino que además le dio un toque algo más adulto, con temas como la vocación, la burocracia, el matrimonio y hasta la infidelidad, siendo valorada enormemente.
Por eso no extrañaba que inmediatamente después de “Cars” (que no tuvo el éxito de sus predecesoras) se optara nuevamente por Brad Bird, asignándole de co-guionista a Jan Pinkava, ganador del Oscar con su corto “El Juego de Geri” (también de Pixar), y se le diera al creador de la singular familia Parr el poder absoluto para el siguiente proyecto, estrenado el pasado jueves: Ratatouille.

¿De qué se trata Ratatouille?

El giro en las historias pixerianas no pudo ser más original: el ratón Remy (en la voz del actor de “The Kings of Queens” Patton Oswalt), vive en París, Francia, y a pesar de los reproches de su familia, el se niega a comer cualquier cosa. Más aún: su anhelo secreto es convertirse en chef de alta cocina, y para eso se asesora con el fantasma de un famoso cocinero. Es precisamente en el restaurante del extinto maestro, donde Remy se interioriza y comienza a “adiestrar” (tal como se lee) a un empleado de aseo poco inteligente, a quien dirige en la cocina, dándole la fama que él quisiera. Claro, siendo seguido de cerca por el actual jefe de cocina, el malvado Skinner, quien sospecha de su ahora ayudante.

Si aún no te entusiasma ir a verla, en la página http://disneylatino.com/FilmesDisney/Ratatouille/index-flash.html, es posible descargar un adelanto de diez minutos de la película, donde el mismísimo Brad Bird presenta el clip.

“Ratatouille” (pronúnciese “ra-ta-tui”), que toma el nombre de una sabrosa receta de comida gala, será EL evento animado de la temporada, que incluso puede poner en peligro a la algo desgastada “Piratas del Caribe” o incluso al invencible “Shrek Tercero”, que a pesar de lograr obtener 123 millones de dólares en su primer fin de semana, ha obtenido críticas regulares, sin mencionar que es, por el momento, el candidato seguro al Oscar.

Bon apetit, cinéfilos todos, y disfrutemos de este suculento bocado que nos trae Pixar.

Ficha Técnica:

Fecha Estreno Chile: 28 de Junio
Título Original: “Ratatouille”
Directores: Brad Bird
Guión: Brad Bird y Jan Pinkava
Voces (en inglés): Patton Oswalt (Remy), Ian Holm (Skinner), Lou Romano (Linguini), Peter O’Toole (Anton Ego)
Música: Michael Giacchino

TRAILER

TODO LO QUE USTED SIEMPRE QUISO SABER SOBRE LOS PREMIOS OSCAR, PERO NUNCA LE CONTARON.

2007-02-20T23:59:00.000-03:00

Los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (A.M.P.A.S., su sigla en inglés) son la culminación de una seguidilla de galardones entregados en todo el mundo, que se reinician poco tiempo después, con el Festival de Cannes.

Me atrevería a decir que la mayoría de los cinéfilos, amantes del cine arte o de las cintas independientes, debemos reconocer que lo primero que vimos en nuestra vida, las películas que nos hicieron hacer “clic”, que nos enamoraron de este modo de arte (graficado por ejemplo, en la cinta “Cinema Paradiso”), fueron hollywoodenses, facturadas en Estados Unidos. El mismo Lars von Trier, director de “Los Idiotas” y creador de Dogma 95’, realizó “Dancer in the Dark” como un tributo a las cintas musicales de su infancia.

En los datos que siguen, viene el homenaje de “Tu Me Completas” a los Premios Oscar, que se vienen el próximo domingo 25 de febrero. Son datos curiosos, algunos de ellos conocidos, recopilados para ustedes con mucho cariño.

RECHAZO O INDIFERENCIA DEL PREMIO

- En 1972, Marlon Brando no asistió a la ceremonia, donde estaba nominado por su papel de Vito Corleone en “El Padrino”. Resultó ser, además el ganador del premio, y en su lugar subió una mujer, vestida de india, llamada Sacheen Littlefeather, quien en nombre de Brando rechazó la estatuilla, alegando discriminación para los indígenas nativos en Hollywood. Luego se supo que la chica era una actriz mexicana llamada María Cruz

- En 1970, George C. Scott (quien hace un magnífico secundario en “Dr. Insólito” de Kubrick), rechazó también el Oscar por “Patton”, alegando que él era un actor principalmente de teatro, y que no era de su agrado competir con colegas. El productor de la cinta, Frank McCarthy, recibió el premio, pero fue devuelto al día siguiente a la Academia.

- Woody Allen obtuvo el reconocimiento en 1977 como mejor director y mejor guión por “Annie Hall", pero no se presentó a la premiación, argumentando que los días lunes “toco el clarinete con mi grupo”.

Oscars Ad Honorem

- Los Oscares Honoríficos se han entregado por motivos diversos: James Baskette ganó uno en 1947, “por su cándida interpretación como el tío Remus" en“Canción del sur", Harold Russel, veterano de guerra amputado de un brazo, tuvo un reconocimiento “por aportar esperanza y coraje a sus colegas veteranos" con su intervención en “Los mejores años de nuestras vidas". Años después se le volvió a conceder una estatuilla ¡por el mismo motivo!. En la primera ceremonia, de 1929, se entregó un premio especial a Charles Chaplin por la realización de “El Circo”, ya que su estatus no era conveniente para ponerlo a competir con otros. También “El Cantante de Jazz” recibió en aquel año un Oscar, por ser la primera película hablada.

- Directores de renombre que jamás lograron un premio, tuvieron que consolarse con el Oscar a la trayectoria: Blake Edwards, Orson Welles, Howard Hawks, Charles Chaplin, Sidney Portier y Robert Altman.

- Mención aparte merece Alfred Hitchcock, quien al recibir el honorífico redujo su discurso a un “gracias” antes de bajarse del escenario.

- Peter O’Toole pidió a la Academia no darle el premio en 2002, ya que aún tenía las fuerzas para seguir trabajando en el cine y podía ganar. Finalmente aceptó y asistió a la ceremonia. Este año está nuevamente nominado por “Venus”.

- Laurence Olivier recibió el Oscar a la trayectoria en 1978, el mismo año en que fue nominado como Mejor Actor por “Los Niños del Brasil”

- El actor Paul Newman, recibió este galardón en 1985. Al año siguiente protagonizó “El Color del Dinero”, de Martin Scorsese, y ganó el Oscar al Mejor Actor. En 2002 fue nominado nuevamente como actor secundario por “Camino a la Perdición” de Sam Mendes.

- En 1941, Henry Fonda fue nominado en la categoría Mejor Actor, por la cinta “Las Uvas de la Ira”. En 1980 le fue otorgado el premio honorífico, y al año siguiente fue nominado por “En El Estanque Dorado”, cuarenta años después del primer film mencionado

HITOS Y RÉCORDS

Justicia a las Comedias

- Una de las categorías menos premiadas en los casi ochenta años de trayectoria de la Academia, es la comedia, aunque prácticamente todos los años hay un film de este género nominado. Las afortunadas (y, por lo demás, excepcionales) galardonadas son: en 1934 “Sucedió una Noche”, (la historia de una millonaria caprichosa que huye de su padre y el prometido impuesto por él, mientras un periodista encubierto la sigue como si fuera casualidad, y ambos, por supuesto se enamoran), en 1938 “Vive Como Quieras” (con la vida de la singular familia Vanderhoff, encabezada por un padre que se ha dedicado en los últimos años a vivir la vida, y una familia tan extravagante como él, que ve interrumpida su cotidianeidad cuando el malvado Señor Kirby quiere comprar la casa a toda costa para instalar una fábrica), en 1960 “Piso de Soltero” (donde Jack Lemmon interpreta a un empleaducho de oficina, C.C. Baxter, quien escala posiciones en su empresa prestando la llave de su piso a sus jefes para que asistan con sus amantes, hasta que descubre que su amor no correspondido es una de las ocupantes del lugar), en 1977 “Annie Hall”, (divertida historia de Alvy Singer, un cómico que narra en primera persona como conoció, vivió y terminó su relación con una chica, con situaciones divertidísimas, como la conversación sobre arte que tienen ambos mientras en subtítulos se ve lo que realmente piensan, o cuando Alvy detiene diferentes personas en la calle, entre ellos un caballo, para preguntarles sobre las parejas), y en 1998 “Shakespeare Apasionado” (con la difícil crisis creativa que enfrenta el entonces joven escritor inglés, que no puede terminar la comedia encargada para salvar un teatro de cerrar. Entonces entra en acción una aristócrata, que sólo anhela actuar, y se disfraza de hombre para entrar en los círculos teatrales. El único que la descubre es William, iniciando un romance que lo inspira a escribir “Romeo y Julieta”). Las dos primeras fueron dirigidas por Frank Capra, y las siguientes por Billy Wilder, Woody Allen y John Madden, respectivamente. Salvo este último, todos los directores son considerados verdaderos maestros del género.

Adiós a la Censura

- En 1969, se marcó un hito bastante importante en el cine: aunque no fue la “principal” causante del entierro definitivo de la censura, la cinta “Cowboy de Medianoche”, de John Schlesinger, tuvo un importante papel en esto, al ser la primera calificada con una “C” (condammed, condenada) que ganó el Oscar a la Mejor Película, muy a pesar de los continuos reclamos de todo tipo de organizaciones eclesiásticas y asociaciones contra la inmoralidad. La cinta, que se asemeja en su arriesgada propuesta a argumentos como “Brokeback Mountain”, de Ang Lee, narra como le va a Joe Buck, un apuesto joven cowboy que está convencido de hacer dinero fácil en Nueva York como amante de mujeres adineradas. Una vez allí le resulta más que complicado, ya que termina viviendo en la miseria, acompañado de un vagabundo medio estafador llamado Ratso Rizzo, con quien termina creando lazos.

Los Quina Mejor Lograda

- En 1941 Se dio la que muchos consideran la mejor quina de nominados en la categoría Mejor Actor: Charles Chaplin, por “El Gran Dictador”, Henry Fonda por “Las Uvas de la Ira”, Laurence Olivier por “Rebeca” y James Stewart por “Historias de Filadelfia”, quien fue finalmente el ganador. El quinto nominado fue Raymond Massey, destacado actor canadiense, nominado por su papel de un joven Abraham Lincoln en “Lincoln en Illinois”. Massey posteriormente intervino en “Camino de Santa Fe” de Michael Curtiz, “Arsénico por Compasión” de Frank Capra, “Al Este del Paraíso”, de Elia Kazan y “El Oro de Mackenna”, de J. Lee Thompson

Cantando Bajo Los Premios

- Existieron grandes cantantes que obtuvieron reconocimientos en los Oscares por sus dotes como actores. Muchas veces los profesionales critican cuando incluyen a no-actores en diferentes filmes, pero el gancho comercial puede más. Y posteriormente estos premios también. Los cantantes–intérpretes fueron Bing Crosby (por su rol de párroco joven que llega a un pueblo en “Siguiendo mi Camino”), quien por cierto, fue nuevamente nominado al año siguiente por interpretar el mismo papel en la secuela; Frank Sinatra (como un soldado bohemio y bonachón que vive el ataque de Pearl Harbour en “De Aquí a la Eternidad”); Barbra Streisand (interpretando a la poco agraciada chica que termina triunfando en el musical en “Funny Girl”) empató en votos con la mismísima Katharine Hepburn y ambas se llevaron el premio.

Y finalmente, Cher (como una apocada y seria contadora italiana que de pronto se ve dividida entre dos amores que además son hermanos en “Hechizo de Luna”). La popular y rubia cantante Doris Day, fue muchas veces criticada por sus dotes actorales, pero dejó a todos con la boca abierta por su interpretación de una afligida madre en “El Hombre que Sabía Demasiado”, y fue, para sorpresa de muchos, nominada en 1959 por su papel en la azucarada comedia “Confidencias a Medianoche”.

Bueno, al finalizar, he escarbado en las frases cinematográficas. En ellas he encontrado sorpresas, clásicos y hasta emoción. Frases sobre el cine, muchas, pero este artículo busca entretener con datos sobre Hollywood y sus glamorosos premios, es por eso, que la frase que cerrará este artículo, ha sido pronunciada por uno de los más ilustres defensores de esta industria: Billy Wilder.

“Si el cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces, señoras y señores, el cine ha alcanzado su objetivo”

COMENTEN!!!!!

A Quien Ama Gilbert Grape? (Lasse Hallström)

2007-01-20T17:31:00.000-03:00

Comentario:

Los hermanos Lumière, inventores del cine hace ciento doce años, nunca le vieron futuro a éste. Después de algunas proyecciones, vendieron su máquina por nada, despreciándola. Aún así, el aporte que hicieron está por sobre la invención: fueron los primeros grandes cineastas, porque sentaron bases de lo que sería el cine más excepcional: el que está más cercano a la realidad.

En su primer film se ven personas jugando cartas, obreros saliendo de la fábrica, y un tren acercándose a la estación, lo que hizo huir despavoridos a los noveles espectadores. Sin efectos especiales, visuales, sin sonido alguno, crearon una tensión capaz de aterrorizar a su audiencia. En la actualidad, los únicos que han hecho salir huyendo a los espectadores son las malas películas.

Hago este preámbulo, para contar que de vez en cuando el cine nos trae de vuelta a los Lumière, con alguna película que no tiene más que retratar la realidad de la mejor manera para emocionar. Y en este caso está el sueco Larse Hallström, a quien vemos en una de sus primeras cintas, y probablemente una de las más logradas de su carrera.

La vida en el pueblo de Endora es, digamos demasiado apacible. Los panoramas son: comer helados en el centro, conversar en un restaurant, caminar, y……. eso sería todo. Aquí conocemos a Gilbert Grape, el hijo mayor de una familia desarticulada, donde el padre suicida se recuerda a cada momento, la depresiva madre pesa más de doscientos kilos y no puede caminar, el “verdadero” hermano mayor ya no vive con ellos, la primera de las hermanas es la dueña de casa, la menor es una adolescente relativamente normal, y Artie, el otro hombre del hogar, tiene un retardo mental que lo puede hacer morir en cualquier momento…. Desde hace casi dieciocho años.

Y luego de esto no hay mucho que decir, más que contemplar con una sonrisa eterna cómo la vida cotidiana de los Grape se nos mete en el alma, con peleas que parten el corazón, con los diálogos que Gilbert tiene cada día con sus amigos (uno anhelante de un trabajo en Burger King, el otro dueño de una funeraria, que espera con ansias un muerto), y la llegada de una turista con su remolque averiado, que encanta el corazón de Artie y Gilbert con una franqueza inusitada para los pueblerinos, además de la mujer frustrada que mantiene un descarado affaire con el protagonista.

Johnny Deep está aquí en los inicios de su papel eterno, el muchacho aparentemente idiota, despistado, pero que en realidad es más “oscuro” de lo que parece, Juliette Lewis, está más bella y talentosa que nunca, en la época en que era la estrella del momento por sus roles en “Cabo de Miedo” y “Asesinos por Naturaleza”, y un joven Leonardo Di Caprio se roba todo (la película, el corazón del espectador) en su rol del travieso Artie, un niño eterno, un “milagro viviente” como él dice, que fue nominado a un Oscar (cosa que no lograría más de quince años después, con “El Aviador”) y de quien todo el mundo pensó que realmente era un retardado mental.

Hallström luego se volvió un poco pretencioso. “Las Reglas de la Vida” y “Chocolate” son cintas aceptables, pero perdió la sencillez y belleza que demuestra con esta film, cuyo título original significa más o menos “¿A quién traga Gilberto Uva?”. La encontré escondida en medio de un montón de VHS’s, y con el calor de estos días, es bueno ampararse un momento a la sombra de los Lumiére, con este film más que recomendado.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "What's Eating Gilbert Grape"

Director: Lasse Halström

Guión: Peter Hedges, basada en su propia novela.

Actores: Johnny Deep, Leonardo Di Caprio, Juliette Lewis, Mary Steenburguer, Darlene Cates, Laura Harrington, John C. Reilly

Idioma y Duración: Inglés, 118 minutos

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FRASE MEMORABLE

"¿Sabes que me podría morir en cualquier momento?"

"Voy a tener una gran fiesta de cumpleaños. Tu no estás invitada, pero puedes venir si quieres"

Arnie (Leonardo Di Caprio), en su primer encuentro con Becky (Juliette Lewis)

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IDEAL PARA

Suicidas en potencia, enamorados/as, optimistas que desean reforzarse o pesimistas empedernidos

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BOTÓN DE MUESTRA

http://www.youtube.com/watch?v=FMLvAGBV4-g&watch_response

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ENCUÉNTRALA AQUI

La Mejor de mis Bodas (Frank Coraci)

2006-12-31T18:08:00.000-03:00

ARGUMENTO

En plenos años 80' Robbie y Julia se conocen en las bodas en las que ambos trabajan: él como cantante, y ella como mesera. A pesar de que ambos tienen parejas (ella está por casarse y él fue abandonado en el altar, pero aún intenta la reconciliación), congenian, y entre boda y boda comienzan a enamorarse, a pesar de la personalidad de él, sus manías, sus miedos y su inmenso amor por la música.

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COMENTARIO

Me imagino que el director de esta película, Frank Coraci, es de esos tipos que no le dan mayor importancia al impacto de sus cintas, que es un hollywoodense más, y que tiene el ingenio suficiente para poder sacar adelante sus filmes con creatividad. Y lo más divertido es que en este caso la cosa funciona.

Aclaremos: tal como la anterior película de Drew Barrymore que comenté no hace mucho, esto no es una obra maestra. Pero tiene la singularidad de hacernos empatizar con el protagonista, un tipo que se cree un pobre tipo, pero que tampoco es el miserable que él piensa. La principal responsable de esta actitud es la música, que es su principal y quizá único amor.

Y como estamos en los 80's, los temas de su repertorio en cada casamiento son los que pegan en aquellos años. Siempre le doy importancia a los pequeños personajes, que matan o levantan la película, y aquí hay varios, como el tipo que se cree Boy George, la anciana que paga en albóndigas las clases de piano y la tonta pero exquisita ex de Robbie (notable la escena donde Robbie le dice "quítate mi polera de Van Halen antes de que tu mala suerte haga que la banda se separe"), y el auténtico (aunque sincero) chanta que es el prometido de Julia, con calzoncillos de leopardo y todo eso.

Otro mérito de "La Mejor de Mis Bodas" es la química entre los protagonistas, que se intentó repetir hace poco en una pésima película que prefieron no recordar.

Pero principalmente aquí se apela a la nostalgia, a recordar una época, y la verdad es que los resultados hacen que Coraci salga bastante airoso de su cometido. La canción final, un cover de "Radio Killed The Radio Star", es lejos uno de los mejores tracks elegidos para una cinta como ésta, y una muestra de su acertividad en la elección de la banda sonora.

Para que decir la escena del avión, con todos los pasajeros y los tripulantes dispuestos a unir la pareja, y con Billy Idol oyendo atentamente la historia de Robbie, indignado por la ex que usó la polera de su grupo (se puede agregar que el mismo año en que se basó la cinta, 1985, fue cuando Van Halen se separó).

Y aunque en las últimas semanas las votaciones nunca hayan estado acorde a mi favorita, recordé con cariño especial esta película.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "The Wedding Singer"

Director: Frank Coraci

Guión: Tim Herlihy

Actuaciones: Adam Sandler, Drew Barrymore, Christine Taylor, Mattew Glave, Angela Featherstone

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DIÁLOGO MEMORABLE

Robbie: Quiero hacerte sonreír cuando estés triste/Llevarte cuando tu artritis se ponga peor /todo lo que quiero es envejecer contigo (...) / Acostarte cuando estés borracha / Yo podría ser el hombre que envejezca contigo / Solo quiero envejecer contigo

(Ochentera cancion de Robbie arriba del avión)

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RECOMENDADO PARA

Aunque es una entretenida comedia romántica, funcionará 100% para nostálgicos de los ochenta

PERFILES: ROBERT ALTMAN

2006-12-22T10:02:00.000-03:00

Hace años atrás, cuando en Canal 13 daban el mítico "Cine en su Casa" (al que TVN replicó con "Tardes de Cine"), mi hermano y yo nos instalamos frente a la pantalla para ver una cinta anunciada desde una semana antes: "Popeye". Éramos fanáticos acérrimos del personaje animado, y ésta gratuita posibilidad de primero saber que existía, y luego verla, no nos la podíamos perder.

Robin Williams y Shelley Long protagonizaron este trabajo del director que nos compete hoy, muerto hace un par de semanas, y a quien "Tu Me Completas" homenajea hoy.

Ese par de cabros chicos que se sentaron frente a la vieja tele que terminó sus días funcionando con alicate y empujones ("golpes técnicos" decía mi hermano) quedó mitad decepcionado mitad impactado: si bien habían cosas que se mantenían inalterables del forzudo come-espinacas (sobre todo el espíritu original de los personajes, con una Olivia más que perfecta y un Popeye correcto, además de los infaltables Bluto, Filón y Cocolizo), también chocaba cierta decadencia en las imágenes, un aire melancólico que no era fácil de digerir para alguien de diez años.

Tiempo después me daría cuenta que ni siquiera fue fácil para los adultos. Ni para los críticos. Y además, que al director le importaba un comino lo que el resto pensaba.

Robert Altman, que comenzó a dirigir a los 43 años (y yo que recién tengo 23 pensé que el tren cinéfilo ya me estaba dejando) no tenía pelos en la lengua ni en la cámara, y paró en seco al mismísimo y entonces todopoderoso Darryl Zanuck (dueño de la Fox) quien produjo su primera película, "MASH", cuando éste quizo "poner tijeras" al asunto.

Filmando "MASH" no se hizo problemas con los protagonistas, Elliot Gould y Donald Sutherland, quienes se aterrorizaron con la manera de trabajar de Altman: los tuvo en el barro todo un día, mientras le daba instrucciones, observaba y dejaba correr dos cámaras, a veces dando importancia a los extras más que a ellos mismos (Ante el éxito de "MASH", con 37 millones de dólares recaudados y sus nominaciones al Globo de Oro y al BAFTA, Gould se convertiría en uno de los mejores amigos del director)

Tampoco se inmutó cuando su película del año siguiente (1971), el western "McCabe & Mrs. Miller" se convirtió en un fracaso de taquilla. Warren Beaty, protagonista del filme con Julie Christie, habló pestes del director, quien jamás se lo perdonó. Años más tarde diría "Ese hijo de perra jamás habló bien de la cinta, de la que ha recibido sus mejores comentarios por actuación. Si algún día muero y él dice algo bueno de mí, lo perseguiré hasta el final"

Y de pronto hacía saltar a la crítica hasta las nubes con una obra magnánima (como "Nashville", oda al mundo del country, o "El Pez Gordo", sobre Hollywood), y en otras nos dejaba estupefactos con una historia mínima, de poco personajes y tramas impenetrables para el espectador medio (como "Theo y Vicente", o "Una Boda"). Siempre hizo lo que quiso. Siempre fue un independiente.

Uno de sus sellos: las cintas corales. En el trailer de "Nashville" se cuentan 24 protagonistas, en "Doctor T y las Mujeres" trece, en su último filme, "Prairie Home Companion", contó con quince actores principales, y en "Prèt-a-Porter" se pueden hallar......................... ¡Cuarenta figuras!

Su último éxito fulminante, "Crimen de Medianoche" es sencillamente una maravilla, y la causante directa de inspirar este artículo: la mirada a la clase aristócrata y a los criados en Inglaterra en los años treinta, matizados con un asesinato, y personajes como una estrella de cine, un sirviente que seduce a la señora de la casa, un matrimonio por conveniencia, una vieja dama que depende del dinero de su pariente, un inspector de policía inepto y su inteligente ayudante, una joven doncella que "las cacha todas", un par de ancianas a cargo de los empleados que esconden un secreto, una gorda cocinera que se junta en los pasillos oscuros con un joven aristócrata, en una cinta donde 45 actores, todos protagonistas, se mueven en una inmensa casa, siendo ellos mismos los extras, como un ballet perfecto.

Robert, donde estés, tu desenfado, tu independencia creativa y tus genialidades serán perpetuadas por quienes nos maravillamos con tu cine. Un recuerdo desde aqui del niño que vio embelesado a Robin Williams comiendo espinaca, a Ryan Phillipe con sus engaños adolescentes, a Lindsay Lohan con sombrero cowboy, y a Richard Gere siendo llevado por un tornado. Gracias, señor Altman.

Buscando a Nemo (Andrew Stanton y Lee Unrick)

2006-11-07T21:44:00.000-03:00

ARGUMENTO

Marlín es un pez payaso, que luego de una accidente pierde a su esposa, y debe criar solo a su hijo Nemo. El primer día de escuela, y luego de un altercado, el pequeño es capturado por un humano, y llevado a una pecera en Sydney. Marlín comienza un viaje por el mar en busca de su hijo, ayudado por la olvidadiza Dory, mientras que los peces del acuario intentan escapar.

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COMENTARIO

Stanton, el director principal, es también el autor de los libretos de las anteriores maravillas de Pixar: "Toy Story" 1 y 2, "Bichos" y "Monsters Inc" (mi favorita de todas), además de, por supuesto, intervenir aqui.

Salvo una que otra escena mamona, no hay nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada, pero nada que decir de esta película. Vamos a ver:

Técnicamente es asombrosa. Muchos nos damos cuenta que el océano tiene miles de capas y colores, que las texturas son especiales, que el mar tiene un magnetismo inigualable y aqui se puede apreciar eso y mucho más, logro de los magníficos computadores y trabajadores de Pixar. El hecho de elegir La Gran Barrera de Coral australiana como "centro de operaciones" fue la primera genialidad de todas, idea que Disney imitó años antes, cuando "Nemo" estaba filmándose, al literalmente salvar de la muerte a la cinta "Lilo & Stich", cambiando la historia del extraterrestre de Kansas a Hawaii, y dándole una frescura que la liberó del fracaso.

El screenplay, tal como se ha mencionado, llena la pantalla con personajes adorables, tal como el viejo Walt lo hacía en el siglo XX. Merlín es un pez payaso totalmente opuesto a su raza, producto de la pérdida de su esposa y la responsabilidad que siente sobre su hijo. Nemo es un chiquillo con deseos de libertad, que sufre un severo trauma al ser capturado y llevado a la pecera, madurando de golpe apenas el dentista lo mete a la bolsa plástica. El trío de tiburones, Bruce, Chump, y Anchor buscan rehabilitarse del..... ¡canibalismo!, y tienen uno de los mejores parlamentos de la película:

Marlín: un humano se llevó a mi hijo
Anchor: ¡Humanos! se creen dueños de todo!
Chum: de seguro eran banqueros

Las tortugas son el ejemplo de familia que Marlín jamás pudo dar, y los peces del acuario están todos derechamente alterados psicológicamente por el encierro. Darla es la niña odiosa que todos alguna vez hemos conocido, Nigel, el pelícano, lleva cada día la dosis justa de chismes, y la reina indiscutida, y que ha subido al Olimpo Animado con Cruella de Vil, el conejo Tambor, el cangrejo Sebastián, el Genio de la Lámpara y Mufassa es Dory. Al más puro estilo "Memento", ella padece de "falta de memoria de corto plazo", dando lugar a ocurrencias inolvidables. De hecho, junto con "Una Eva y Dos Adanes", "Buscando a Nemo" es la única cinta que me sé de memoria. Y no es chiste.

A esto, se suma la música sencillamente perfecta de Thomas Newman (cuya melodía más conocida es el tema principal de "Six Feet Under", y es autor además de las bandas sonoras de "Sueños de Fuga", "Belleza Americana", "Camino a la Perdición" y "Erin Brockovich") . Este compositor fue considerado desde un principio para la cinta, y su trabajo comenzó a ser utilizado cuando aún se estaba trabajando en el filme..........

......Nadaremos, nadaremos, en el mar, el mar, el mar......

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Finding Nemo"
Directores: Andrew Stanton y Lee Unrick
Guión: Andrew Stanton, Bob Peterson y David Reynolds
Voces (en versión original): Albert Brooks, Ellen DeGeneres, Alexander Gould, Willem Dafoe, Geoffrey Rush

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DIÁLOGO MEMORABLE:

Nemo: ¿Estás bien?
Dory: No sé quien soy... y no sé para donde voy.... Pienso que he perdido a alguien, pero, no puedo recordarlo... no puedo recordarlo.
Nemo: Está bien, tranquila. Yo también estoy buscando a alguien. Oye, podemos buscar juntos.
Dory: Soy Dory
Nemo: Soy Nemo
Dory: ¡¡¡¿¿NEMOOO??!!!..... que lindo nombre.

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RECOMENDADO: para padres con hijos incomprendidos, cinéfilos que aborrecen la animación, y tooodo el mundo

Perfiles: Charlize Theron

2006-10-28T12:40:00.000-03:00

Los que vimos "El Abogado del Diablo" en la época en que se estrenó (más o menos unos diez años atrás, cuando yo era un imberbe que comenzaba recién a gustar del cine), no podemos olvidar una escena impresionante: el personaje de Keanu Reeves está en un templo católico con su esposa, que se ha encontrado con él, muy nerviosa y vestida con un impermeable largo. Ella está tan alterada, que dice algunas cosas incoherentes, y de pronto, se levanta y se quita lo que lleva. Está completamente desnuda, con llagas en el cuerpo, y mira con los ojos desorbitados hacia todos lados.

El impacto de ver a Charlize Theron (31 años, sudafricana) no sólo está en el tema de su desnudez (que actualmente ya no impacta demasiado), sino en que definitivamente ella no es cualquier mujer. Billy Wilder, cuando filmaba "La Comezón del Séptimo Año" con Marilyn Monroe, comentaba que la censura en cierta manera "lo salvó" de haber expuesto más de la cuenta a la famosa rubia ("la sola imagen de Marilyn con los trajes que usabas bastaban para impactar", decía), y eso es exactamente lo que ocurre con Charlize en ésta, su primera película importante tras su debut en películas menores. Porque en toda la cinta, existe una cierta tensión sexual del personaje, que tiene su peak en esta escena tan comentada.

La vida de esta chica ha sido también bastante impactante: el sólo hecho de haber sido testigo de cómo su madre disparaba a su maltratador padre (quien siempre amenzaba a ambas de muerte) ha llenado miles de sitios web y páginas de periódicos. Ella habla de todo, menos de su vida privada.

Luego de comenzar a trabajar como modelo, a los 14 años, y de mudarse con su madre a Nueva York, fue a los Ángeles, donde protagonizó un famoso comercial de Martini (que también fue exhibido en Chile), que sin embargo no le sirvió de mucho para su carrera. Años más tarde fue descubierta por un agente (que la vió discutiendo con una cajera de banco por un cheque enviado por mamá) y su primer papel fueron tres segundo en "Los Niños del Maíz 3". Luego vendrían algunos protagónicos en cintas menores y la fama con "El Abogado....". Woody Allen la llamó para un papel en "Celebrity", llegó a Disney con "Mighty Joe Young" (que se repite bastante seguido en tv), y estuvo en su primera cinta nominada al Oscar a la mejor película: "Las Reglas de la Vida", de Lasse Hallström, donde actúa como una chica que se practica un aborto.

De allí, como un cohete hacia filmes cada vez más conocidos y que la insertaron en la elit hollywoodense, primero por su belleza y luego por su incipiente talento: "La Leyenda de Bagger Vance" (dirigida por Robert Redford, donde actuó junto a Will Simith) "Dulce Noviembre" (nuevamente actuando con Kenau Reeves), "15 Minutos (con Robert de Niro), "La Maldición del Escorpión de Jade" (de Woody), "Acosada" (donde conoció a su actual pareja Stuart Towsend), y "La Estafa Maestra".

Buscando papeles que la sacaran de su imagen sexy, produjo y protagónizó la historia de Aileen Wournos, una prostituta lesbiana que a comienzos de los 90' mató a siete clientes, y fue ejecutada en 2002. Para ello, se afeó totalmente (algo muy complicado para ella), y subió diez kilos.

El resto es historia........ El reconocimiento unánime a nivel mundial, con una veintena de nominaciones y premios (algunos tan prestigiosos como el del Festival de Berlín, y otros populares como el MTV Movie Award), y la subida al estrado del Teatro Kodak, para recibir el Oscar a la actuación principal, donde lloró al ver a su madre sentada en las butacas, por tantos años de esfuerzo recompensados...

Luego se dijo bastante que el Oscar era la única estrella que tendría en su vida y que quedaría en la lista de las actrices que jamás volvieron a ser las mismas tras el premio. Pero su talento dijo otra cosa: fue nominada el 2005 al Globo de Oro, al Emmy y al Sindicato de Actores por su participación en la cinta para la TV "La Vida y Muerte de Peter Sellers", y nuevamente estuvo entre las cinco nominadas al Oscar por su rol de trabajadora en los yacimientos de hierro de Minessota en "Tierra Fría".

Esta es Charlize. Por dentro y por fuera, una mujer excepcional......

Jamás Besada (Raja Gosnell)

2006-10-19T14:50:00.000-03:00

ARGUMENTO:

Jossie es la joven y más talentosa periodista editora del Chicago Sun-Times, luego de mucho tiempo de búsqueda. Su jefe la envía a infiltrarse en una escuela secundaria para un reportaje, pero para ella esto es doblemente difícil, ya que esta etapa supuso los peores momentos de su vida: no tenía amigos, no era nada popular, la apodaban "Jossie feosi" y jamás tuvo una pareja. Esto repercutió para siempre en ella, por lo que deberá hacer frente al reportaje y a sus propios miedos de volver a lo mismo. Para rematarla se enamora de un profesor, y tendrá que recibir la ayuda de su hermano, ex-"chico más popular" para poder tener la atención que necesita para investigar.

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COMENTARIO

Drew Barrymore me fascina. Ese rostro, mitad mala-tierna, y el hecho de que no sea delgada hasta el extremo me derrite cada vez que la veo. Tiene un árbol genealógico lleno de talentos (sus tíos-abuelos Lionel y Ethel, y su abuelo John se cuentan entre los actores más legendarios de la primera mitad de los 50), y también lleno de excesos (los ya nombrados tenían fama de alcohólicos, y su padre, John Jr, vió frustrada su carrera por culpa de las drogas), donde ella, tras el éxito temprano de "E.T.", también se vio envuelta.

Pero la historia es tan repetida, que no debe pasar más allá de un párrafo. Bueno, un párrafo y una línea. Quizá algo más. Porque Drew cambió, dejó su obesidad casi mórbida, y comenzó un tratamiento para rehabilitarse de todo lo que debía rehabilitarse. Y comenzó a obtener mejores papeles, intendo lograr el mismo reconocimiento que de niña (siempre se olvida que luego de juguetear con el "marciano favorito" en 1982, actuó en varias películas con excelentes comentarios), con apariciones en "Batman Forever"y protagónicos en "Cuatro Mujeres y Un Destino". Luego vinieron "Todos Dicen Te Quiero" (comedia musical de Woody, donde Drew era la única que no cantaba), "Scream" y "El Cantante de Bodas", donde la química que tuvo con Adam Sandler fue de antología.

Y aquí la tenemos, de productora, en una película hecha para su lucimiento personal.

Hay algo que no puedo negar de Raja Gosnell, el director de "Jamás Besada": sus películas (salvo esta fifty honrosa excepción), son pésimas, horrorosas, pero también exitazos de taquilla. Ahí tenemos a "Mi Pobre Angelito 3", "Mi Abuela es un Peligro", el parcito de obras maestras de "Scooby Doo", y la reciente "Los Tuyos, Los Míos y los nuestros".

Con Gosnell estamos ante un Hollywood puro, dólar al por mayor, al diantre el arte y... vamos contando billetes muchachos.

Pero con Drew en la producción, esta cinta al menos logró un "algo más" a las comedias adolescentes. De partida, personajes adorables, y no sólo la protagonista, también sus "compañeros" y su genial hermano, que se roba la película con el papel del muchacho que alguna vez fue tremendamente conocido en la escuela, y que vuelve por más chicas y más diversión (ojo con la escena en que se propone darse a conocer en poco tiempo).

Para las Jossies puede haber una nueva oportunidad en la vida, claro. Para esta cinta, me basta con ella por sí sola.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Never Been Kissed"
Director: Raja Gosnell
Guión: Abby Kohn y Marc Silverstein
Actores: Drew Barrymore, David Arquette, Michael Vartan.
Música: David Newman
Fotografía: Alex Nepomniaschy

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FRASE(S) MEMORABLE

"Nunca más volveré a ser Jossie Feossi"
(Jossie Geller)
(nota del bloguero: como para darle el Nobel a los guionistas)

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RECOMENDADO PARA:

Romántic@s y ex nadie-se-dio-cuenta-de-que-existia-en-el-liceo.

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BOTÓN DE MUESTRA:

OJO!!!!!!!

SI NO LA HAS VISTO, Y QUIERES VERLA, ENTONCES NO VEAS ESTO (SPOILER!!).

La Vida es Bella (Roberto Benigni)

2006-10-08T09:46:00.000-04:00

ARGUMENTO:

Ambientada a inicios de la Segunda Guerra Mundial, la cinta cuenta la historia de Guido, un tipo bonachón, aunque muy pobre, que intenta mirar la vida con optimismo. Logró casarse con Dora, una joven adinerada con quien huyó, y ambos son los felices padres del pequeño Josué. Todo cambia cuando, en su condición de judíos, la familia es detenida por los nazis y llevada por separado a un campo de concentración. Allí Guido intentará hacer creer a su hijo que todo es un juego, a la vez que intenta ver a su esposa.

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COMENTARIO

Hace décadas que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood se volvió poco seria. En ocasiones, claro, sube el nivel, y logra ponerse a la altura de cintas de calidad, por sobre la espectacularidad y el efectismo. Tenemos el caso de "Z", thriller magnífico, de origen griego, pero totalmente político (cosa que no es tan bien vista por ellos), que en 1969 logró doble nominación, a Mejor Película y Mejor Película Extranjera.

Pero también a los votantes de jóligud se les enternece el corazón y seguramente el bolsillo cuando deben entregar premios o nominaciones: ahí tenemos el caso de "Shakespeare Apasionado", una película bastante bonita, pero que no puede quedar por sobre "Rescatando al Soldado Ryan" o "La Delgada Línea Roja", en 1999. Este mismo año, el italiano Roberto Benigni, con una pequeña ayuda de sus amigos (gringos), dió a conocer al mundo la cinta que nos compete hoy, que también es parte de esta vorágine de dinero y publicidad llamada Hollywood. Que también es adictiva, por cierto.

La primera mitad de la cinta, es una serie de episodios en que conocemos a Guido, que hace de la vida un payaseo. Cuando conoce a Dora, su nivel de idiotización se dispara a las nubes, y con sus chistes e ingeniosos métodos logra conquistarla, a pesar de la tenaz oposición de la burguesa familia de la dama. En la segunda parte (con una simple pero buenísima forma de decir "... luego de algunos años...") el mundo de ambos, y de su pequeño Josué, se ve seriamente interrumpido por los nazis, cada vez más crueles, quienes terminan llevándose a los tres a una especie de Auswitch para italianis. Allí es donde las dotes de comediante de Guido deben sacar fuerzas entre tanta miseria, para que el pequeño no se de cuenta de lo que ocurre a su alrededor, creyendo que en realidad está en un juego (una especie de reality de los años treinta) donde, el que gane mile punti obtendrá un tanque de verdad.

La mirada benignesca de un horror como la Segunda Guerra Mundial causó controversia en su época, por mostrar risas en medio de la pena, pero aquí vemos cómo si bien en la primera parte los gags eran tiernos y bobalicones (y muy graciosos, hay que decirlo), desde la llegada al campo la cosa se pone más parecida a los chistes del esqueleto presentador de "Cuentos de la Cripta". Cuando a Guido no le quedan más chistes, sigue haciendo lo que hizo todo el film a través del humor: huir, pero esta vez debe hacerlo literalmente. Y cuando no le queda más ingenio para tapar la realidad a su hijo, no le queda otra que dejarlo escondido mientras él también termina.... ejem, digamos que huyendo.

El Oscar que creo que Benigni ganó merecidamente era el de mejor actor. Porque es él precisamente quien sostiene la película completa, el que le da vida. Además está muy bien dirigida, o mejor dicho, él se dirige muy bien a si mismo, en este homenaje al "Gran Dictador" del gran Chaplin. El gran Benigni, eso sí, no siguió siendo grande luego de aquel lejano 1999.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "La Vita è Bella"
Director: Roberto Benigni
Guión: Roberto Benigni y Vicenzo Cerami
Actores: Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Giorgio Cantarini
Música: Nicola Piovani
Fotografía: Tonino Delli Colli

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FRASE(S) MEMORABLE

Guido: ¿Cuál es tu postura política?
Otro Tipo: (hablándole a sus hijos) ¡Benito, Adolf! ¡Siéntense!. Disculpa Guido, ¿Que me decías?
...........................

"El Juego parte ahora. Tendrán que anotar mil puntos. Si lo logran, se irán a casa en un tanque gigante. Cada día anunciaremos los puntajes por altoparlantes, los que tengan menos puntos tendrá un cartel de "Burro" en la espalda. Hay tres maneras de perder puntos. Uno, si se ponen a llorar. Dos, si dicen que quieren ver a su mamá. y tres diciendo que tienen hambre y que quieren algo de comer. "

Guido, "traduciendo" a un soldado alemán que da instrucciones en el primer día en el campo.

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RECOMENDACIÓN

Para romántic@s y para hacer llorar fácilmente

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BOTÓN DE MUESTRA

ATENCIÓN! ATENCIÓN! ATENCIÓN!
SI NO HAN VISTO LA PELÍCULA SE LES ADVIERTE QUE ESTAS IMÁGENES
CONTIENEN SPOILERS (O SEA, PARTE DE LA TRAMA QUE NO SE DEBE CONTAR PARA ARRUINAR LAS SORPRESAS)

El Ladrón de Orquídeas (Adaptación)

2006-09-30T22:58:00.000-04:00

ARGUMENTO:

Charlie Kauffman, guionista, recibe el encargo de adaptar el libro "El Ladrón de Orquídeas", luego de haber logrado el éxito y la fama por su primer escrito "Quieres Ser John Malkovich". Como jamás ha hecho nada en base a la creación ajena, decide escribir la historia de él mismo intentando escribir el guión, al tiempo que vemos a la autora del libro, Susan Orlean, algunos años antes, realizando la investigación para el texto, cuando conoce al experto en orquídeas John Laroche. Al mismo tiempo que Charlie se deshace intentando hacer algo bueno, aparece su hermano gemelo, Donald, quien decide también escribir un guión, aunque soso y convencional.

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COMENTARIO

Al leer el "de qué se trata" la película, uno inmediatamente tiende a pensar que la cinta es bastante aburrida. Pero... simplemente de eso trata. El maestro de maestros en guiones, Billy Wilder, decía refiriéndose a ellos: "Los directores no son alquimistas. No se puede convertir caca de gallina en chocolate". Una historia de apariencia aburrida (como aquellas en que dos personas se miran media hora, caminan por un camino desierto tres cuartos de hora y debaten sobre el significado de haber nacido bajo Plutón quince minutos más) es transformada en asombrosa, emotiva y demasiado entretenida por su guión, y su director, Spike Jonze. Y, a través de ella, vemos que cada vez que Charlie tiene una idea, la cinta cambia.

¿Tiene usted, estimad@ lector(a), alguna pasión en su vida? ¿Algo por lo qué luchar? ¿un sueño que lo impulse de tal manera a vivir que se levante y se acueste, y transmita cada vez que puede su deseo de ser o hacer algo? Si no, entonces nada de lo que ocurra en su vida tendrá sentido. Charlie sufre, porque su guión no avanza, Susan Orlean se inspira en John para revolucionar su existencia, el mismo John le da a Susan un espacio en su corazón entre su inconmesurable amor por sus orquídeas, y Donald, el aparentemente más superficial de todos, nos da una lección de sencillez sobre la vida.

Ver "El Ladrón de Orquídeas" es un poco eso: ver sobre los cambios que ocurren alrededor y adaptarse de la mejor manera (el título original es "Adaptación") , y observar por un momento que hemos olvidado las lecciones que nos puede dar una pequeña abeja que encuentra su flor precisa para el polen, y de que nuestro camino recorrido y por recorrer puede ser una fantástica experiencia. La vida no es aburrida.

Quiás me preguntes, ¿Que nada pasa en el mundo? ¿acaso estás demente?. Hay gente es asesinada todos los días. Hay genocidios, guerras, corrupción. Cada día, alguien sacrifica su vida para salvar a alguien. Cada condenado día, alguien o algo tiene la fija idea de destruir a alguien. La gente se enamora, se desenamora. ¡Por Dios! cada día un niño ve a su madre batirse a duelo en las escaleras de una iglesia. Alguien por ahí pasa hambre. Alguien por allá traiciona a su mejor amigo por una mujer. Si quieres encontrar algo de materia en la vida, entonces tu, mi amig@, no sabes NADA sobre la vida. Y entonces... ¿ por cuál ornitorrico motivo estás ahora leyendo las líneas que con tanto cariño he escrito con tus interrogantes? No tengo ninguna respuesta simpática para eso. No tengo nada para eso. (ésta es mi propia adaptación de una preciosa escena del film)

Puedo decir por último, que Nicholas Cage en su doble papel está casi tan impresionante como en "Leaving Las Vegas", que algún día conoceré a Chris Cooper y le daré las gracias por habernos brindado una de las mejores interpretaciones de la historia del cine, y que Meryl Streep es simplemente Meryl Streep, y ninguna línea que diga sobre ella la engrandecerá más de lo que es. Ah! y que el guionista de la película se llama realmente Charlie Kauffman, que realmente la cinta está basada en un libro, y que él como su ficticio hermano Donald fueron nominados al Oscar, siendo la primera vez que se nomina a un personaje inexistente. Inexistente para ellos, claro.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Adaptation"
Director: Spike Jonze
Guión: Charlie Kaufmann y Donald Kaufmann, basado en el libro de Susan Orlean
Actores: Nicholas Cage, Meryl Streep, Chris Cooper
Música: Carter Burwell
Fotografía: Lance Acord

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FRASE MEMORABLE

"Se acabó. Todo. Lo hice todo mal. Quiero que vuelva a ser como antes. Quiero que todo sea como antes de que se jodiera todo. Quiero ser un bebé otra vez. Quiero ser nueva. Quiero ser nueva"

Susan Orlean (Meryl Streep).

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RECOMENDACIÓN

Ideal para depresivos o creativos con problemas.

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BOTÓN DE MUESTRA

El trailer, porque es tan genial como la cinta.
Traducción de los Títulos:

"...Charlie Kauffman escribe sobre su vida..."
"...Con Gran Dificultad..."
"...Su hermano gemelo, Donald, vive para escribir..."
"...de manera excesiva..."
"...Susan escribe sobre la vida..."
"...Pero no puede vivirla..."
"...La Vida de John es un libro..."
"...Esperando a ser adaptado..."
"...Una historia..."
"..Cuatro vidas..."
"...Un millón de maneras de terminar..."

(nota: agradezco a las más de ciento cincuenta visitas que este blog ha tenido en su primer mes. De todo corazón les doy las gracias, y de todo corazón les pido ¡COMENTEN!)

Eterno Esplendor de una Mente sin Recuerdos (Michael Gondry)

2006-09-23T15:23:00.000-04:00

ARGUMENTO:
Joel y Clementine, a pesar de sus distintos temperamentos, se enamoran e inician una relación. Al tiempo varias discusiones terminan disolviendo a la pareja, al punto que ella decide borrárselo de la mente a través de un tratamiento en la clínica LACUNA. Cuando él lo descubre, decide hacer lo mismo con ella, pidiendo una consulta al Doctor Howard Mierzwiak. Es entonces, cuando todos los recuerdos comienzan a diluirse, que Joel se da cuenta de que en realidad no quiere olvidarla, y desde dentro de su mente comienza a luchar con el doctor y los técnicos para detener la inminente destrucción de Clementine en su vida.

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COMENTARIO

Entre tantas historias de amor falsas que hay en el cine actual, el francés Michael Gondry (creador de premiados comerciales y videoclips) nos adentra en la vida de una pareja comú y corriente: el tímido Joel y la impulsiva Clementine. Él no se da cuenta de inmediato que ella lo borró de la mente, ni siquiera cuando intenta reconciliarse en la librería en la que ella trabaja, y su ex le habla "como si no lo conociera". Joel queda tan herido cuando descubre todo, que decide realizarse el mismo tratamiento.

Premiado Comercial de Michael Gondry para Air France

La mayor parte de la cinta transcurre en la mente de Joel, donde vemos como se borran las paredes, las voces, los rostros, y como se repiten las imágenes cada vez más débiles. Y por encima de todo, de que manera Clementine se va alejando de él. Sus recuerdos van a la inversa, desde la última vez que estuvieron juntos, al apogeo de la relación, y sus primero días. La "Clementine de su mente" comienza a ayudarlo, y comienzan a esconderse en los recovecos más escondidos del cerebro de Joel.

Por otra parte, los dos técnicos de LACUNA, que están toda una noche en la casa de Joel realizando el trabajo, son dos amigotes irresponsables. El más experimentado, Stan (Mark Ruffalo), llama a la secretaria de la empresa, Mary (Kirsten Dunst) para celebrar una pequeña fiesta, con alcohol, marihuana y bailes encima de la cama del paciente. Por otra parte, Patrick (Elijah Wood), ha robado todas los recuerdos físicos de Joel y Clementine (diarios, fotos, regalos) y con ellos logra por lo menos gustar a esta última.

El director Gondry, y el guionista Charlie Kaufmann concibieron una de las mejores películas del nuevo milenio, con más efectos visuales que especiales, y una fotografía semi documental, que la hacen una extraña y fascinante mezcla entre Hollywood y cine independiente. Cada fotograma de la cinta está tan cuidadosamente trabajada, y al mismo tiempo las potentes actuaciones les dan un aire despreocupado y espontáneo a las historia: Jim Carrey está fantástico en su papel, Kate Winslet y Kirsten Dunst son mi actual amor platónico luego de verlas aquí, apostaría cualquier cosa a que Ruffalo y "Frodo" Wood son amigos en la vida real, y Wilkinson le hace el peso a todos los actores antes mencionados.

Además, a partir de situaciones muy originales, nos transmite una emotividad que sorprende. Cuando uno ve una película como un crítico, intentando que ésta no lo "engañe", resulta curioso que sin darnos cuenta una preciosa y bellísima cinta nos haga olvidar (otra vez olvidar, jaja) las técnicas, los guiones y las actuaciones de manera analítica, y se entregue totalmente a vivir lo que podrías llamar una verdadera experiencia.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Eternal Sunshine of The Spotless Mind"
Director: Michale Gondry
Guión: Charlie Kaufmann, basado en una idea original de Michael Gondry y Pierre Bismuth
Actores: Jim Carrey, Kate Winslet, Tom Wilkinson, Kirsten Dunst, Elijah Wood, Mark Ruffalo.
Música: Jon Brion.

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DIÁLOGO MEMORABLE

Mary: También me gusta una cita del Papa Alexander, dice...
Howard: ¿Alexander Pope?
Mary: eso, me dije a mi misma "No digas Papa Alexander, pero lo dije", que tonta soy
Howard: no te preocupes.
Mary: es usted tan amable... la cita dice "¡Cuán feliz es la suerte de los ingenuos! / Al mundo olvida y el mundo la olvidó / Eterno resplandor de una mente sin recuerdos / Acepta todas las plegarias y renuncia a todos los deseos".

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RECOMENDACIÓN

1) Es muy probable que en el principio no entiendan que diablos está pasando, pero vale la pena verla completa
2) Recomendada para verla acompañado/a por una persona especial....

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BOTÓN DE MUESTRA

En la mente de Joel, Clementine le dice "ya que no podemos huir de que me borren, llévame a un lugar escondido, donde yo no esté". Joel dice "no recuerdo nada antes de ti". Ella dice "eso es muy dulce, pero inténtalo". Vean que tal le va a la pareja con el intento.

El Quinto Elemento (Luc Besson)

2006-09-12T23:27:00.000-04:00

ARGUMENTO:
Cada cinco mil años, la alineación de tres planetas provoca que el mal se cierna sobre la tierra, llevándola a la oscuridad total. Llega el año 2114, y el tiempo de impedirlo también. Para ello, es necesario que en una pirámide egipcia se junten, en el momento preciso, los cuatro elementos vitales: agua, fuego, aire y tierra, más un elemento llamado "El Ser Supremo", que ha sido custodiado por años por una cofradía extraterrestre que la entrega a la tierra. Este "elemento" resulta ser un brazo aparentemente humano, que, reconstruido en base a la genética da origen a una mujer fuerte, salvaje y huraña. Ella sale huyendo, y cae en el taxi de Korben Dallas, ex agente militar de alta inteligencia, quien el mismo día de su encuentro con la chica, a la que llama Leeloo (Lilú), recibe la misión de unir los elementos para vencer el mal.

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COMENTARIO

El crítico J. R. R. Roldán, dijo en 1997 "En resumen, El Quinto Elemento, una película bastante tonta que pasará pronto al olvido colectivo. Y es una verdadera pena, pues se nota que por debajo había un gran potencial." Les dejo unos segundos para reír.

Porque nadie puedo olvidar una cinta que sabe tomar un sencillísimo argumento para crear una atmósfera recargada de efectos especiales, vestuario kistch y demasiado humor, detalles que sin embargo no molestan en lo más mínimo. Es más, es tremendamente encantadora y adictiva.
A ver....

La historia es, como se dijo, muy sencilla de entender. Simplemente "los malos" vienen a destruir el planeta, y "los buenos" deben detenerlos. Pero el guión es muy ingenioso, y nos lleva a tener una visión del futuro, donde los miedos colectivos ya no son los terroristas ni los asaltantes. Eso ya se superó, y ha dado paso a algo peor, que es una fuerza maligna, el mal en persona en forma de planeta, dispuesto a destruir la existencia humana. Pero aunque la tecnología y el miedo hayan cambiado, los hombres son los mismos, demostrado en Korben, quien es un "ex todo" que vive en soledad en su departamento, donde incluso el carro de comida china flotante llega hasta su ventana, y que tiene a la odiosa voz de su madre llamándolo todo el día solo para reprocharle cosas, mientras recuerda con sentimientos encontrados su anterior trabajo. Mientras Neo, de Matrix, es un flemático tech, y el joven Obi Wan es un jedi serio y responsable con su causa, Korben Dallas es un hombre con más cara de asiduo al bar de Moe que de salvador del mundo.

El resto de los personajes son lo mejor de la película: Ruby Rhod, interpretado MAGISTRALMENTE por Chris Tucker, es una profecía de lo que hoy son los metrosexuales (pareciera que la cinta se adelantara no cien, sino sólo diez años a la historia), el Padre Vito Cornelius olvida la sotana rápidamente cuando golpea a Dallas en la cabeza, al entrar de polizón en el transbordador a Floston Paradise y al emborracharse y contarle sus penas a ¡Un robot con cara de pantalla de T.V.!, el antagonista Juan Bautista Emanuel Zorg es malo-malo-malo (del verbo malo) pero sus fracasos lo convierten en entrañable, el monaguillo Billy teme más que nadie que las cosas no resulten, la Diva Plavalaguna resulta la protagonista de la escena más impactante de todas, y así, el mesero nervioso del hotel, el vecino de Korben, el Presidente, el científico, el actor sordo, el jefe de los Mangalores, la azafata acosada, etc, son casi un personaje inolvidable por secuencia.

Para qué decir Leeloo. El mejor mérito del director francés Luc Besson ("Nikita", "Azul Profudo") es haber descubierto a Milla Jovovich, una actriz sensible y fuerte a la vez, y tan exquisitamente dulce y divertida que ya la quisiéramos para salvar al mundo, y de paso nuestra propia vida.

Quizá podríamos hacer que un semestre los cineastas hollywoodenses (incluyendo eminencias como Spielberg o Ford Coppola) se tomaran unas merecidas vacaciones y dejasen el puesto a algunos europeos como Besson, que supo convertir a "El Quinto Elemento" en un clásico perpetuo. Claro que tiene sus falencias, pero eso no importa ahora, ni siquiera para mencionarlas. El Quinto Elemento es legado del pueblo.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "The Fifth Element"
Director: Luc Besson
Guión: Luc Besson y Robert Mark Kamen
Actores: Bruce Willis, Milla Jovovich, Gary Oldman, Ian Holm, Maiwenn Le Besco, Luke Perry.
Música: Mark A. Mangini y Cliff Martínez (música incidental), y Eric Sierra (canción y baile de la Diva)

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FRASE MEMORABLE

"Leeloo: todo lo que ustedes crean, lo destruyen
Korben: Así es. A eso llamamos naturaleza humana"

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RECOMENDACIÓN

Ponganse cómodos y disfrútenla.

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BOTÓN DE MUESTRA

La Diva canta, Leeloo pelea

Vértigo (Alfred Hitchcock)

2006-09-03T00:14:00.000-04:00

ARGUMENTO
John "Scottie" Fergusson es un ex abogado convertido en investigador de la policía. Corriendo por los techos de la ciudad en busca de un criminal, termina colgando de un tejado a gran altura. el policía que lo acompaña cae intentando ayudarle, y desde entonces sufre de vértigo. Renuncia a la policía, y se interesa en descansar, hasta que un ex compañero de universidad (al que ni siquiera recuerda) le encarga vigilar a su esposa, Madeleine, la que cree es regularmente poseída por el espíritu de su bisabuela española, Carlota Valdés, haciéndola deambular por las calles y por determinados lugares de San Francisco, además de tener instintos suicidas. Scottie la salva de morir ahogada, y así comenzarán un atormentado romance.

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COMENTARIO

En toda esta gran película, lo que más se respira es dolor y muerte. Scottie se siente limitado para trabajar luego de su mala experiencia y su acrofobia, su mejor amiga, Midge, no quiere a otro hombre que no sea él (ella lo reconoce, y el lo sabe), pero aún así, fue ella la que terminó la relación que alguna vez tuvieron, Gavin Elster intenta ser feliz al precio que sea necesario, y Madeleine / Judy no puede lograr ser querida por ser ella misma. Ni siquiera Carlota Valdés, reducida a un simple retrato, puede "descansar en paz", ya que su vida fue demasiado tormentosa para lograrlo.

el director Alfred Hitchcock, dijo "para mi el cine son cuatrocientas butacas llenas", y eso queda demostrado en que sus inumerables películas no solo son extraordinarias, sino que altamente entretenidas, y a pesar de que tienen muchos puntos de comparación (suspenso, misterio, asesinatos, vidas derrumbadas, vidas trasformadas por el azar), siempre hay algo muy especial que las diferencia.

Pero "Vertigo", es bendita entre todas las otras, ya que deja el ritmo precipitado de sus otros filmes por la serenidad, las largas caminatas, los preciosos paisajes de San Francisco (no recuerdo haber visto esta ciudad en otra película de manera tan bella como aqui), pero súbitamente nos pone un cuchillo en la garganta y nos sacude completos, con escenas como la del inicio, la de los árboles en los bosques, la secuencia onírica, las I-M-P-R-E-S-I-O-N-A-N-T-E-S escenas del campanario, y por sobre todo, las secuencias dentro del departamento de Judy, con un verde predominante que claramente simboliza la muerte, cuando ella sale finalmente "caracterizada" como Madeleine, o aquel beso largo y frío, con Judy colgando de los brazos de Scottie como un verdadero cadáver. El título del libro en la que se inspira, "De Entre los Muertos", es más que preciso para definir a esta obra maestra.

Finalmente, debo decir que he descubierto a un actorazo, que me ha dejado impresionado de por vida y me obliga a buscarlo en otro filme pronto: James Stewart.

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FICHA TÉCNICA

Título Original: "Vertigo"
Director: Alfred Hitchcock
Guión: Alec Coppel y Samuel Taylor (Basados en la novela "d'Entre les Morts" de Pierre Boileau y Thomas Narcejac)
Actores: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore
Música: Bernard Herrmann

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FRASE MEMORABLE:

"Scottie. No estoy loca. No estoy loca. No quiero morir. Hay alguien dentro de mi, y me dice que debo morir. Scottie, no me dejes".

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RECOMENDACIÓN

Para los impacientes, vale la pena esperar la primera media hora.

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BOTÓN DE MUESTRA

Créditos y escena inicial